Serghei Leonidovici Dorenski |

Serghei Dorenski

Serghei Leonidovich Dorensky spune că i s-a insuflat dragostea pentru muzică încă de la o vârstă fragedă. Atât tatăl său, cunoscut fotoreporter la vremea lui, cât și mama lui, amandoi au iubit dezinteresat arta; acasă cântau des muzică, băiatul mergea la operă, la concerte. Când avea nouă ani, a fost adus la Școala Centrală de Muzică de la Conservatorul din Moscova. Decizia parintilor a fost corecta, in viitor a fost confirmata.

Prima sa profesoară a fost Lydia Vladimirovna Krasenskaya. Cu toate acestea, din clasa a patra, Serghei Dorensky a avut un alt profesor, Grigory Romanovich Ginzburg a devenit mentorul său. Toată biografia studentească a lui Dorensky este legată de Ginzburg: șase ani sub supravegherea sa la Școala Centrală, cinci la conservator, trei la școala absolventă. „A fost o perioadă de neuitat”, spune Dorensky. „Ginsburg este amintit ca un concertist genial; nu toată lumea știe ce fel de profesor a fost. Cum a arătat în clasă lucrările învățate, cum a vorbit despre ele! Alături de el, era imposibil să nu te îndrăgostești de pianism, de paleta sonoră a pianului, de misterele seducătoare ale tehnicii pianului… Uneori lucra foarte simplu – se așeza la instrument și cânta. Noi, discipolii lui, am observat totul aproape, de la mică distanță. Au văzut totul ca și cum din culise. Nimic altceva nu era necesar.

… Grigori Romanovici a fost un om blând, delicat, – continuă Dorenski. – Dar dacă ceva nu i se potrivea ca muzician, ar putea izbucni, să critice aspru studentul. Mai mult decât orice, îi era frică de fals patos, de pompozitatea teatrală. Ne-a învățat (împreună cu mine la Ginzburg pe niște pianiști talentați precum Igor Chernyshev, Gleb Akselrod, Alexei Skavronsky) modestia comportamentului pe scenă, simplitatea și claritatea expresiei artistice. Voi adăuga că Grigori Romanovici a fost intolerant la cele mai mici defecte în decorarea exterioară a lucrărilor executate în clasă – am fost puternic loviți pentru păcate de acest fel. Nu-i plăceau nici tempo-urile excesiv de rapide, nici sonoritățile huruitoare. Nu recunoștea deloc exagerările… De exemplu, încă am cea mai mare plăcere să cânt la pian și mezzoforte – am avut asta încă din tinerețe.

Dorenski a fost iubit la școală. Blând din fire, s-a îndrăgit imediat de cei din jur. A fost ușor și simplu cu el: nu era nici un indiciu de stăpânire în el, nici un strop de îngâmfare, care se întâmplă să se regăsească în rândul tinereții artistice de succes. Va veni vremea și Dorensky, după ce a trecut de vremea tinereții, va prelua postul de decan al facultății de pian a Conservatorului din Moscova. Postul este responsabil, în multe privințe foarte dificil. Trebuie spus direct că calitățile umane – bunătatea, simplitatea, receptivitatea noului decan – îl vor ajuta să se impună în acest rol, să câștige sprijinul și simpatia colegilor săi. Simpatia pe care a inspirat-o colegilor de școală.

În 1955, Dorensky și-a încercat pentru prima dată mâna la un concurs internațional de muzicieni. La Varșovia, la al V-lea Festival Mondial al Tineretului și Studenților, participă la un concurs de pian și câștigă premiul I. S-a făcut un început. A urmat o continuare în Brazilia, la un concurs instrumental în 1957. Dorensky a obținut aici o popularitate cu adevărat largă. De menționat că turneul brazilian al tinerilor interpreți, la care a fost invitat, a fost, în esență, primul eveniment de acest gen din America Latină; Desigur, acest lucru a atras o atenție sporită din partea publicului, a presei și a cercurilor profesionale. Dorensky a jucat cu succes. I s-a acordat premiul al doilea (pianistul austriac Alexander Enner a primit premiul I, premiul al treilea i-a revenit lui Mikhail Voskresensky); de atunci, a câștigat o popularitate solidă în publicul sud-american. Se va întoarce în Brazilia de mai multe ori – atât ca concertist, cât și ca profesor care se bucură de autoritate în rândul tinerilor pianiști locali; aici va fi mereu binevenit. Simptomatice, de exemplu, sunt replicile unuia dintre ziarele braziliene: „... Dintre toți pianiștii... care au cântat cu noi, nimeni nu a stârnit atâta simpatie din partea publicului, atâta încântare unanimă ca acest muzician. Sergey Dorensky are o intuiție profundă și un temperament muzical, care îi conferă jocului său o poezie unică. (A se înțelege // Cultura sovietică. 1978. 24 ian.).

Succesul de la Rio de Janeiro i-a deschis lui Dorensky calea către scenele multor țări ale lumii. A început un turneu: Polonia, RDG, Bulgaria, Anglia, SUA, Italia, Japonia, Bolivia, Columbia, Ecuador… În același timp, activitățile sale de spectacol în patria sa se extind. În exterior, traseul artistic al lui Dorensky arată destul de bine: numele pianistului devine din ce în ce mai popular, nu are crize sau avarii vizibile, presa îl favorizează. Cu toate acestea, el însuși consideră sfârșitul anilor 'XNUMX - începutul anilor 'XNUMX cel mai dificil din viața sa scenică.

„A început a treia, ultima din viața mea și, poate, cea mai dificilă „competiție” – pentru dreptul de a duce o viață artistică independentă. Primele erau mai ușoare; această „concurență” – de lungă durată, continuă, uneori epuizantă… – a decis dacă ar trebui sau nu să fiu concertist. Imediat m-am confruntat cu o serie de probleme. În primul rând - acea Joaca? Repertoriul s-a dovedit a fi mic; nu s-a recrutat mare lucru în anii de studiu. A fost necesar să-l reumplem urgent, iar în condițiile unei practici filarmonice intensive, acest lucru nu este ușor. Iată o parte a problemei. O alta as Joaca. În vechea manieră, pare a fi imposibil – nu mai sunt student, ci concertist. Ei bine, ce înseamnă să joci într-un mod nou, diferitNu mă imaginam prea bine. La fel ca mulți alții, am început cu un lucru fundamental greșit – cu căutarea unor „mijloace expresive” speciale, mai interesante, neobișnuite, strălucitoare sau ceva... Curând am observat că mergeam în direcția greșită. Vedeți, această expresivitate a fost adusă în jocul meu, ca să zic așa, din exterior, dar trebuie să vină din interior. Îmi amintesc cuvintele minunatului nostru regizor B. Zakhava:

„... Decizia formei spectacolului se află întotdeauna adânc în partea de jos a conținutului. Pentru a-l găsi, trebuie să vă scufundați până la fund - înotând la suprafață, nu veți găsi nimic " (Zakhava BE Îndemânarea actorului și a regizorului. – M., 1973. P. 182.). Același lucru este valabil și pentru noi, muzicienii. De-a lungul timpului, am înțeles bine acest lucru.

A trebuit să se regăsească pe scenă, să-și găsească „eu” creativ. Și a reușit să o facă. În primul rând, datorită talentului. Dar nu numai. De remarcat că, cu toată simplitatea inimii și lățimea sufletului, el nu a încetat niciodată să fie o natură integrală, energică, consecventă, muncitoare. Acest lucru i-a adus în cele din urmă succes.

Pentru început, s-a hotărât în ​​cercul de lucrări muzicale cel mai apropiat de el. „Profesorul meu, Grigory Romanovich Ginzburg, credea că aproape fiecare pianist are propriul „rol” scenic. Am, în general, opinii similare. Cred că în timpul studiilor, noi, interpreții, ar trebui să încercăm să acoperim cât mai multă muzică posibil, să încercăm să reluăm tot ce este posibil... Pe viitor, odată cu începerea unui concert real și a practicii de spectacol, ar trebui să urcăm doar pe scenă. cu ceea ce are cel mai mult succes. De la primele sale spectacole, a fost convins că a reușit mai ales în Sonata a șasea, a opta, treizeci și unu de Beethoven, Carnavalul și fragmentele fantastice ale lui Schumann, mazurke, nocturne, studii și alte piese de Chopin, Campanella de Liszt și adaptările lui Schubert. , Sonata în Sol major de Ceaikovski și Cele patru anotimpuri, Rapsodia lui Rahmaninov pe o temă de Paganini și Concertul pentru pian al lui Barber. Este ușor de observat că Dorensky gravitează nu spre unul sau altul repertoriu și straturi stilistice (să zicem, clasice – romantism – modernitate…), ci către anumite Grupuri lucrări în care individualitatea sa se dezvăluie cel mai deplin. „Grigory Romanovich a învățat că ar trebui să cânte doar ceea ce îi dă interpretului un sentiment de confort interior, „adaptare”, așa cum a spus el, adică o fuziune completă cu opera, instrumentul. Asta încerc să fac...”

Apoi și-a găsit stilul de interpretare. Cel mai pronunțat în ea a fost început liric. (Un pianist poate fi adesea judecat după simpatiile sale artistice. Dorensky numește printre artiștii săi preferați, după GR Ginzburg, KN Igumnov, LN Oborin, Art. Rubinstein, de la mai tânărul M. Argerich, M. Pollini, această listă este orientativă în sine. .) Critica notează moliciunea jocului său, sinceritatea intonației poetice. Spre deosebire de un număr de alți reprezentanți ai modernității pianistice, Dorensky nu manifestă o înclinație deosebită către sfera toccato-ului cu pian; Ca concertist, nu-i plac nici construcțiile sonore „de fier”, nici zgomotele tunătoare ale fortissimo-ului, nici ciripitul uscat și ascuțit al motricității degetelor. Oamenii care au asistat adesea la concertele sale asigură că nu a luat nicio notă dură în viața lui...

Dar încă de la început s-a arătat a fi un maestru înnăscut al cantilenei. El a arătat că poate fermeca cu un model de sunet plastic. Am descoperit gustul pentru culorile pianistice argintii irizate, ușor atenuate. Aici a acționat ca moștenitor al tradiției originale rusești de interpretare la pian. „Dorensky are un pian frumos, cu multe nuanțe diferite, pe care îl folosește cu pricepere” (Pianişti moderni. – M., 1977. P. 198.), au scris Reviewers. Așa a fost în tinerețe, același lucru și acum. De asemenea, se distingea prin subtilitate, o rotunjime iubitoare a frazei: jocul lui era, parcă, împodobit cu vignete sonore elegante, curbe melodice fine. (Într-un sens similar, din nou, joacă astăzi.) Probabil, în nimic Dorensky nu s-a arătat într-o asemenea măsură ca student al lui Ginzburg, ca în această lustruire pricepută și atentă a liniilor sonore. Și nu este surprinzător, dacă ne amintim ce a spus el mai devreme: „Grigory Romanovich a fost intolerant la cele mai mici defecte în decorarea exterioară a lucrărilor executate în clasă”.

Acestea sunt câteva dintre loviturile portretului artistic al lui Dorensky. Ce te impresionează cel mai mult la asta? La un moment dat, lui LN Tolstoi îi plăcea să repete: pentru ca o operă de artă să merite respect și să fie plăcută de oameni, trebuie să fie bine, a mers direct din inima artistului. Este greșit să credem că acest lucru se aplică doar literaturii sau, să zicem, teatrului. Aceasta are aceeași legătură cu arta interpretării muzicale ca și cu oricare alta.

Alături de mulți alți elevi ai Conservatorului din Moscova, Dorensky și-a ales, în paralel cu spectacolul, o altă cale – pedagogia. La fel ca mulți alții, de-a lungul anilor i-a devenit din ce în ce mai greu să răspundă la întrebarea: care dintre aceste două căi a devenit principala în viața lui?

Predă tinerilor din 1957. Astăzi are peste 30 de ani de predare în spate, este unul dintre profesorii de seamă, respectați, de la conservator. Cum rezolvă problema veche: artistul este profesor?

„Sincer, cu mare dificultate. Cert este că ambele profesii necesită un „mod” creativ special. Odată cu vârsta, desigur, vine și experiența. Multe probleme sunt mai ușor de rezolvat. Deși nu toate... Uneori mă întreb: care este cea mai mare dificultate pentru cei a căror specialitate este predarea muzicii? Aparent, până la urmă – pentru a face un „diagnostic” pedagogic precis. Cu alte cuvinte, „ghiciți” elevul: personalitatea lui, caracterul, capacitățile profesionale. Și, în consecință, construiește toate lucrările ulterioare cu el. Muzicieni precum FM Blumenfeld, KN Igumnov, AB Goldenweiser, GG Neuhaus, SE Feinberg, LN Oborin, Ya. I. Zak, Ya. V. Zburător…”

În general, Dorensky acordă o mare importanță stăpânirii experienței maeștrilor remarcabili ai trecutului. El începe adesea să vorbească despre asta – atât ca profesor în cercul studenților, cât și ca decan al catedrei de pian a conservatorului. În ceea ce privește ultima funcție, Dorensky o deține de mult timp, din 1978. A ajuns la concluzia în acest timp că lucrarea, în general, este pe placul său. „Tot timpul când ești în plină viață conservatoare, comunici cu oameni vii și îmi place, nu o voi ascunde. Grijile și necazurile, desigur, sunt nenumărate. Dacă mă simt relativ încrezător, este doar pentru că încerc să mă bazez pe consiliul artistic al facultății de pian în toate: aici sunt uniți cei mai de autoritate dintre profesorii noștri, cu ajutorul cărora se rezolvă cele mai serioase probleme organizatorice și creative.

Dorensky vorbește despre pedagogie cu entuziasm. A intrat în contact cu multe în acest domeniu, știe multe, gândește, își face griji...

„Sunt îngrijorat de ideea că noi, educatorii, recalificăm tinerii de astăzi. Nu mi-ar plăcea să folosesc cuvântul banal „antrenament”, dar, sincer, unde vei merge de la el?

Totuși, trebuie să înțelegem și noi. Elevii de astăzi performează foarte mult și des – la concursuri, petreceri de clasă, concerte, examene etc. Și noi, suntem noi, suntem personal responsabili pentru performanța lor. Să încerce cineva să se pună mental în locul unei persoane al cărei elev, fiind, să zicem, participant la Concursul Ceaikovski, iese să joace pe scena Sălii Mari a Conservatorului! Mi-e teamă că din afară, fără să fi trăit eu însumi senzații similare, nu veți înțelege acest lucru... Iată-ne, profesori, și încercăm să ne facem treaba cât se poate de temeinic, sănătos și temeinic. Și ca rezultat... Drept urmare, depășim anumite limite. Privim mulți tineri de inițiativă creativă și independență. Acest lucru se întâmplă, desigur, neintenționat, fără o umbră de intenție, dar esența rămâne.

Problema este că animalele noastre de companie sunt pline la limită cu tot felul de instrucțiuni, sfaturi și instrucțiuni. Toți cunoaște și înțelege: ei știu ce trebuie să facă în lucrările pe care le execută și ceea ce nu ar trebui să facă, nu este recomandat. Ei dețin totul, toți știu cum, cu excepția unui singur lucru – să se elibereze în interior, să dea frâu liber intuiției, fanteziei, improvizației scenice și creativității.

Aici este problema. Și noi, la Conservatorul din Moscova, discutăm adesea despre asta. Dar nu totul depinde de noi. Principalul lucru este individualitatea elevului însuși. Ce strălucitoare, puternică, originală este. Nici un profesor nu poate crea individualitate. El o poate ajuta doar să se deschidă, să se arate din partea cea mai bună.

Continuând subiectul, Serghei Leonidovici se oprește pe încă o întrebare. El subliniază că atitudinea interioară a muzicianului, cu care intră pe scenă, este extrem de importantă: este important ce poziţie se plasează în raport cu publicul. Indiferent dacă stima de sine a unui tânăr artist este dezvoltată, spune Dorensky, dacă acest artist este capabil să demonstreze independență creativă, autosuficiență, toate acestea afectează direct calitatea jocului.

„Aici, de exemplu, este o audiție competitivă… Este suficient să ne uităm la majoritatea participanților pentru a vedea cum încearcă să-i placă, să-i impresioneze pe cei prezenți. Cum se străduiesc să câștige simpatia publicului și, bineînțeles, a membrilor juriului. De fapt, nimeni nu ascunde asta... Doamne ferește „să fii vinovat” de ceva, să faci ceva greșit, să nu câștigi puncte! O astfel de orientare – nu către Muzică și nu către Adevărul artistic, așa cum îl simte și înțelege interpretul, ci către percepția celor care îl ascultă, evaluează, compară, distribuie puncte – este întotdeauna plină de consecințe negative. Ea se strecoară clar în joc! De aici și sedimentul de nemulțumire la oamenii care sunt sensibili la adevăr.

De aceea le spun de obicei studenților: gândește-te mai puțin la ceilalți când mergi pe scenă. Mai puțin chin: „Oh, ce vor spune despre mine...” Trebuie să te joci din plăcerea ta, cu bucurie. Știu din proprie experiență: când faci ceva de bunăvoie, acest „ceva” aproape întotdeauna funcționează și reușește. Pe scenă, te asiguri de asta cu o claritate deosebită. Dacă executați programul de concert fără să vă bucurați de procesul de a face muzică, spectacolul în ansamblu se dovedește a fi nereușit. Si invers. Prin urmare, încerc întotdeauna să trezesc în student un sentiment de satisfacție interioară din ceea ce face cu instrumentul.

Fiecare interpret poate avea unele probleme și erori tehnice în timpul spectacolului. Nici debutanții, nici maeștrii experimentați nu sunt imuni de ei. Dar dacă cei din urmă știu de obicei cum să reacționeze la un accident neprevăzut și nefericit, atunci primii, de regulă, sunt pierduți și încep să intre în panică. Prin urmare, Dorensky consideră că este necesar să se pregătească în mod special studentul în avans pentru orice surprize pe scenă. „Este necesar să convingem că nu este nimic, spun ei, teribil, dacă acest lucru se întâmplă brusc. Chiar și cu cei mai cunoscuți artiști, asta s-a întâmplat – cu Neuhaus și Sofronitsky, și cu Igumnov, și cu Arthur Rubinstein… Undeva, uneori, memoria le-a eșuat, puteau încurca ceva. Acest lucru nu i-a împiedicat să fie favoriții publicului. Mai mult, nu va avea loc nicio catastrofă dacă un elev „se împiedică” din neatenție pe scenă.

Principalul lucru este că acest lucru nu strica starea de spirit a jucătorului și, prin urmare, nu ar afecta restul programului. Nu este o greșeală teribilă, ci o posibilă traumă psihologică rezultată din aceasta. Este exact ceea ce trebuie să le explicăm tinerilor.

Apropo, despre „răniri”. Aceasta este o chestiune serioasă și, prin urmare, voi mai adăuga câteva cuvinte. „Rănirile” trebuie de temut nu numai pe scenă, în timpul spectacolelor, ci și în timpul activităților obișnuite, de zi cu zi. Iată, de exemplu, un elev a adus pentru prima dată la lecție o piesă pe care o învățase singur. Chiar dacă sunt multe neajunsuri în jocul lui, nu ar trebui să-i dai un dressing jos, să-l critici prea dur. Acest lucru poate avea și alte consecințe negative. Mai ales dacă acest elev este dintre naturile fragile, nervoase, ușor vulnerabile. A provoca o rană spirituală unei astfel de persoane este la fel de ușor ca decojirea perelor; vindecarea lui mai târziu este mult mai dificilă. Se formează unele bariere psihologice, pe care se dovedește a fi foarte greu de depășit în viitor. Și profesorul nu are dreptul să ignore acest lucru. În orice caz, nu ar trebui să spună niciodată unui student: nu vei reuși, nu ți se dă, nu va funcționa etc. ”

Cât timp trebuie să lucrezi la pian în fiecare zi? – se întreabă adesea tinerii muzicieni. Dându-și seama că este cu greu posibil să se dea un răspuns unic și cuprinzător la această întrebare, Dorensky explică în același timp: cum în ce direcția ar trebui să caute răspunsul la aceasta. Căutați, desigur, fiecare pentru el însuși:

„A lucra mai puțin decât cer interesele cauzei nu este bine. De asemenea, mai mult nu este bine, despre care, apropo, predecesorii noștri remarcabili – Igumnov, Neuhaus și alții – au vorbit de mai multe ori.

Desigur, fiecare dintre aceste intervale de timp va fi propriul lor, pur individual. Nu are sens să fii egal cu altcineva aici. Svyatoslav Teofilovich Richter, de exemplu, a studiat în anii precedenți timp de 9-10 ore pe zi. Dar este Richter! El este unic din toate punctele de vedere și încercarea de a-și copia metodele nu este doar inutilă, ci și periculoasă. Dar profesorul meu, Grigory Romanovich Ginzburg, nu a petrecut mult timp la instrument. În orice caz, „nominal”. Dar el lucra constant „în mintea lui”; în acest sens era un maestru de neîntrecut. Mindfulness este atât de util!

Sunt absolut convins că un tânăr muzician trebuie să fie învățat special să lucreze. Pentru a introduce arta organizării eficiente a temelor. Noi, educatorii uităm adesea de acest lucru, concentrându-ne exclusiv pe probleme de performanță – pe cum să joace orice eseu, cum să interpretezi un autor sau altul și așa mai departe. Dar asta e cealaltă parte a problemei.”

Dar cum poate cineva să găsească în contururile sale acea linie vacilanta, vag distinsă, nedefinită, care separă „mai puțin decât cer interesele cazului” de „mai mult”?

„Există un singur criteriu aici: claritatea conștientizării a ceea ce faci la tastatură. Claritatea acțiunilor mentale, dacă doriți. Atâta timp cât capul funcționează bine, cursurile pot și trebuie să continue. Dar nu dincolo de asta!

Să vă spun, de exemplu, cum arată curba de performanță în propria mea practică. La început, când încep cursurile, sunt un fel de încălzire. Eficiența nu este încă prea mare; Eu joc, cum se spune, nu la putere maximă. Nu merită să luăm aici lucrări dificile. Este mai bine să te mulțumești cu ceva mai ușor, mai simplu.

Apoi se încălzește treptat. Simți că calitatea performanței se îmbunătățește. După ceva timp – cred că după 30-40 de minute – ajungi la vârful capacităților tale. Stai la acest nivel cam 2-3 ore (luand, bineinteles, mici pauze in joc). Se pare că în limbajul științific această etapă a muncii se numește „podis”, nu-i așa? Și atunci apar primele semne de oboseală. Ele cresc, devin mai vizibile, mai tangibile, mai persistente – și atunci trebuie să închideți capacul pianului. Munca în continuare este lipsită de sens.

Se întâmplă, desigur, să nu vrei să faci asta, lenea, lipsa de concentrare învinge. Atunci este necesar un efort de voință; nici nu se poate fara el. Dar aceasta este o situație diferită și conversația nu este despre asta acum.

Apropo, rar întâlnesc astăzi printre studenții noștri oameni letargici, cu voință slabă, demagnetizați. Tinerii muncesc acum din greu și din greu, nu este necesar să-i îndemne. Toată lumea înțelege: viitorul este în propriile mâini și face tot ce îi stă în putere – la limită, la maxim.

Aici, mai degrabă, apare o problemă de alt fel. Datorită faptului că uneori fac prea mult – din cauza recalificării excesive a lucrărilor individuale și a programelor întregi – se pierd prospețimea și imediatitatea în joc. Culorile emoționale se estompează. Aici este mai bine să lăsați piesele învățate pentru o vreme. Treceți la alt repertoriu...”

Experiența de predare a lui Dorensky nu se limitează la Conservatorul din Moscova. Este destul de des invitat să conducă seminarii pedagogice în străinătate (el numește „pedagogie de turneu”); în acest scop, a călătorit în diferiți ani în Brazilia, Italia, Australia. În vara anului 1988, a activat mai întâi ca profesor consultant la cursurile de vară de arte superioare spectacolului din Salzburg, la celebrul Mozarteum. Călătoria i-a făcut o mare impresie – au fost mulți tineri interesanți din SUA, Japonia și din mai multe țări din Europa de Vest.

Odată, Serghei Leonidovici a calculat că în timpul vieții sale a avut șansa să asculte peste două mii de tineri pianiști așezați la masa juriului la diferite concursuri, precum și la seminarii pedagogice. Într-un cuvânt, are o idee bună despre situația din pedagogia mondială a pianului, atât sovietică, cât și străină. „Totuși, la un nivel atât de înalt pe care îl avem, cu toate dificultățile noastre, probleme nerezolvate, chiar și greșeli de calcul, ei nu predă nicăieri în lume. De regulă, cele mai bune forțe artistice sunt concentrate în conservatoarele noastre; nu peste tot în Occident. Mulți interpreți importanți fie se feresc de povara de a preda acolo, fie se limitează la lecții private. Pe scurt, tineretul nostru are cele mai favorabile condiții pentru creștere. Deși, nu pot să nu repet, cei care lucrează cu ea au uneori o perioadă foarte dificilă.”

Dorensky însuși, de exemplu, se poate dedica acum complet pianului doar vara. Nu suficient, desigur, el este conștient de acest lucru. „Pedagogia este o mare bucurie, dar adesea ea, această bucurie, este în detrimentul altora. Nu e nimic de făcut aici.”

* * *

Cu toate acestea, Dorensky nu își oprește activitatea de concert. Pe cât posibil, încearcă să-l păstreze în același volum. Joacă acolo unde este cunoscut și apreciat (în țările din America de Sud, în Japonia, în multe orașe din Europa de Vest și URSS), descoperă pentru el însuși scene noi. În sezonul 1987/88, a adus pentru prima dată pe scenă a doua și a treia baladă a lui Chopin; Cam în aceeași perioadă, a învățat și a interpretat – din nou pentru prima dată – Preludiile și fugile lui Shchedrin, propria sa suită de pian din baletul Micul cal cocoșat. În același timp, a înregistrat la radio câteva corale Bach, aranjate de S. Feinberg. Sunt publicate noile discuri de gramofon ale lui Dorensky; Printre cele lansate în cele XNUMX-uri se numără CD-urile cu sonatele lui Beethoven, mazurcile lui Chopin, Rapsodia lui Rahmaninov pe o temă de Paganini și Rapsodia în albastru a lui Gershwin.

După cum se întâmplă întotdeauna, Dorensky reușește în unele lucruri mai mult, ceva mai puțin. Luând în considerare programele sale din ultimii ani dintr-un unghi critic, s-ar putea face anumite afirmații împotriva primei mișcări a sonatei „Pathetique” a lui Beethoven, finalul „Lunar”. Nu este vorba despre unele probleme de performanță și accidente care ar putea fi sau nu. Concluzia este că în patos, în imaginile eroice ale repertoriului de pian, în muzica de mare intensitate dramatică, pianistul Dorensky se simte în general oarecum stânjenit. Nu este chiar aici lui lumi emoțional-psihologice; o știe și o recunoaște cu sinceritate. Așadar, în sonata „Patetică” (prima parte), în „Moonlight” (partea a treia) Dorensky, cu toate avantajele sunetului și frazării, lipsește uneori amploare reală, dramatism, impuls volitiv puternic, conceptualitate. Pe de altă parte, multe dintre lucrările lui Chopin îi fac o impresie fermecătoare – aceleași mazurke, de exemplu. (Înregistrarea mazurcilor este poate una dintre cele mai bune ale lui Dorensky.) Lasă-l, ca interpret, să vorbească aici despre ceva familiar, deja cunoscut ascultătorului; el face acest lucru cu atâta naturalețe, deschidere spirituală și căldură încât este pur și simplu imposibil să rămâi indiferent la arta lui.

Cu toate acestea, ar fi greșit să vorbim despre Dorensky astăzi, ca să nu mai vorbim de a-i judeca activitățile, având doar o scenă de concert la vedere. Profesor, șeful unei mari echipe educaționale și creative, concertist, lucrează pentru trei și trebuie perceput simultan în toate formele. Numai așa se poate face o idee reală despre amploarea operei sale, despre contribuția sa reală la cultura sovietică a interpretării la pian.

G. Tsypin, 1990