Anatoly Ivanovici Orfenov |

Anatoli Orfenov

Tenorul rus Anatoly Ivanovici Orfenov s-a născut în 1908 în familia unui preot în satul Sushki, provincia Ryazan, nu departe de orașul Kasimov, moșia antică a prinților tătari. Familia a avut opt ​​copii. Toată lumea a cântat. Dar Anatoly a fost singurul, în ciuda tuturor dificultăților, care a devenit cântăreț profesionist. „Trăiam cu lămpi cu kerosen”, își amintește cântăreața, „nu aveam distracție, doar o dată pe an, de Crăciun, se făceau spectacole de amatori. Aveam un gramofon pe care îl începeam în vacanță, și ascultam discurile lui Sobinov, Sobinov era artistul meu preferat, voiam să învăț de la el, voiam să-l imit. Ar fi putut tânărul să-și imagineze că în doar câțiva ani va fi norocos să-l vadă pe Sobinov, să lucreze cu el la primele sale piese de operă.

Tatăl familiei a murit în 1920, iar sub noul regim, copiii unui duhovnic nu puteau conta pe studii superioare.

În 1928, Orfenov a ajuns la Moscova și, printr-o providență a lui Dumnezeu, a reușit să intre în două școli tehnice deodată – pedagogică și cea de seară (acum Academia Ippolitov-Ivanov). A studiat vocea în clasa talentatului profesor Alexander Akimovich Pogorelsky, un adept al școlii italiene de bel canto (Pogorelsky a fost elevul lui Camillo Everardi), iar Anatoly Orfenov a avut destul de acest stoc de cunoștințe profesionale pentru tot restul vieții. Formarea tânărului cântăreț a avut loc într-o perioadă de intensă reînnoire a scenei de operă, când mișcarea studioului s-a răspândit, opunându-se direcției academice semioficiale a teatrelor de stat. Cu toate acestea, în măruntaiele aceluiași Bolșoi și Mariinsky a existat o retopire implicită a vechilor tradiții. Dezvăluirile inovatoare ale primei generații de tenori sovietici, conduse de Kozlovsky și Lemeshev, au schimbat radical conținutul rolului de „tenor liric”, în timp ce la Sankt Petersburg, Pechkovsky ne-a făcut să percepem sintagma „tenor dramatic” într-un mod nou. Orfenov, care a intrat în viața sa creatoare, a reușit încă de la primii pași să nu se piardă printre astfel de nume, deoarece eroul nostru avea un complex personal independent, o paletă individuală de mijloace expresive, deci „o persoană cu o expresie non-generală”.

Mai întâi, în 1933, a reușit să intre în corul Teatrului-Studio de Operă sub conducerea lui KS Stanislavsky (studioul a fost situat în casa lui Stanislavsky din Leontievsky Lane, ulterior mutat la Bolshaya Dmitrovka în fostul sediu al operetei). Familia era foarte religioasă, bunica mea s-a opus oricărei vieți laice, iar Anatoly i-a ascuns multă vreme mamei sale că a lucrat în teatru. Când a raportat acest lucru, ea a fost surprinsă: „De ce în cor?” Marele reformator al scenei ruse Stanislavsky și marele tenor al pământului rus Sobinov, care nu mai cânta și era consultant vocal la Studio, a observat un tânăr înalt și frumos din cor, a acordat atenție nu numai acestei voci, dar şi la hărnicia şi modestia proprietarului său. Așa că Orfenov a devenit Lensky în celebra interpretare a lui Stanislavski; în aprilie 1935, maestrul însuși l-a prezentat spectacolului, printre alți interpreți noi. (Momentele cele mai stelare ale destinului artistic vor continua să fie legate de imaginea lui Lensky – debutul la Filiala Teatrului Bolșoi, iar apoi pe scena principală a Bolșoiului). Leonid Vitalievici i-a scris lui Konstantin Sergheevici: „I-am ordonat lui Orfenov, care are o voce minunată, să-l pregătească urgent pe Lensky, cu excepția lui Ernesto din Don Pasquale. Și mai târziu: „Mi-a dat aici Orfen Lensky și foarte bine.” Stanislavsky a dedicat mult timp și atenție debutantului, așa cum o demonstrează stenogramele repetițiilor și memoriile artistului însuși: „Konstantin Sergeevich a vorbit cu mine ore întregi. Despre ce? Despre primii pași pe scenă, despre bunăstarea mea în cutare sau cutare rol, despre sarcinile și acțiunile fizice pe care cu siguranță le-a adus în partitura rolului, despre eliberarea mușchilor, despre etica actorului în viață și pe scenă. A fost o muncă educațională grozavă și îi sunt recunoscător profesorului meu pentru aceasta din toată inima.”

Lucrarea cu cei mai mari maeștri ai artei ruse a format în cele din urmă personalitatea artistică a artistului. Orfenov a preluat rapid o poziție de conducere în trupa Operei Stanislavsky. Publicul a fost captivat de naturalețea, sinceritatea și simplitatea comportamentului său pe scenă. Nu a fost niciodată un „coder de sunet dulce”, sunetul nu a servit niciodată drept scop în sine pentru cântăreț. Orfenov a venit întotdeauna din muzică și cuvântul logodit cu aceasta, în această unire a căutat nodurile dramatice ale rolurilor sale. Timp de mulți ani, Stanislavsky a alimentat ideea de a pune în scenă Rigoletto de Verdi, iar în 1937-38. au avut opt ​​repetiţii. Cu toate acestea, din mai multe motive (inclusiv, probabil, cele despre care Bulgakov scrie într-o formă grotesc alegoric în The Theatre Novel), lucrările la producție au fost suspendate, iar spectacolul a fost lansat după moartea lui Stanislavsky sub conducerea lui Meyerhold. , directorul principal al teatrului la acea vreme. Cât de interesantă a fost lucrarea despre „Rigoletto” poate fi judecat din memoriile lui Anatoly Orfenov „Primii pași”, care au fost publicate în revista „Soviet Music” (1963, nr. 1).

s-a străduit să arate pe scenă „viața spiritului uman”… Era mult mai important pentru el să arate lupta celor „umiliți și insultați” – Gilda și Rigoletto, decât să surprindă publicul cu o duzină de frumoase note de vârf de cântăreții și splendoarea peisajului... El a oferit două variante pentru imaginea ducelui. Odin este un lasciv voluptuos care seamănă la exterior cu Francisc I, interpretat de V. Hugo în drama Regele se amuză. Celălalt este un tânăr frumos, fermecător, la fel de pasionat de Contesa Ceprano, de simpla Gilda și de Maddalena.

În prima poză, când cortina este ridicată, ducele stă pe veranda superioară a castelului la masă, în expresia figurativă a lui Konstantin Sergeevich, „căptușit” cu doamne… Ce ar putea fi mai dificil pentru un tânăr cântăreț care nu are experiență pe scenă, cum să stea în mijlocul scenei și să cânte așa-numita „aria cu mănuși”, adică balada Ducelui? La Stanislavski, ducele a cântat o baladă ca un cântec de băut. Konstantin Sergeevich mi-a dat o serie întreagă de sarcini fizice sau, poate, ar fi mai bine să spun, acțiuni fizice: plimbarea în jurul mesei, clinchetul paharelor cu doamnele. Mi-a cerut să am timp să schimb priviri cu fiecare dintre ei în timpul baladei. Prin aceasta, el l-a protejat pe artist de „golurile” din rol. Nu era timp să se gândească la „sunet”, la public.

O altă inovație a lui Stanislavski în primul act a fost scena ducelui Rigoletto biciuit cu biciul, după ce îl „insultă” pe contele Ceprano... Această scenă nu mi-a mers bine, biciuirea s-a dovedit a fi „operă”, adică Era greu de crezut în asta, iar la repetiții m-am îndrăgostit de ea.

În cel de-al doilea act din duet, Gilda se ascunde în spatele ferestrei casei tatălui ei, iar sarcina stabilită de Stanislavsky ducelui a fost să o ademenească afară de acolo, sau măcar să o facă să privească pe fereastră. Ducele are un buchet de flori ascuns sub mantie. Câte o floare, i le dă Gildei prin fereastră. (Celebra fotografie de lângă fereastră a fost inclusă în toate analele de operă – A.Kh.). În cel de-al treilea act, Stanislavsky a vrut să-l arate pe duce ca un om al momentului și al dispoziției. Când curtenii îi spun Ducelui că „fata este în palatul tău” (producția a fost într-o traducere rusă care diferă de cea general acceptată – A.Kh.), el este complet transformat, cântă o altă arie, aproape niciodată interpretată. in salile de cinema. Această arie este foarte dificilă și, deși nu există note mai mari decât a doua octava în ea, este foarte tensionată în tesitură.

Alături de Stanislavski, care a luptat neobosit împotriva vampucăi de operă, Orfenov a interpretat și rolurile lui Lykov din Mireasa țarului, Sfântul nebun din Boris Godunov, Almaviva din Bărbierul din Sevilla și Bakhshi din Defileul Darvaz al lui Lev Stepanov. Și nu ar fi părăsit niciodată teatrul dacă Stanislavski nu ar fi murit. După moartea lui Konstantin Sergeevich, a început o fuziune cu Teatrul Nemirovich-Danchenko (acestea erau două teatre complet diferite, iar ironia sorții a fost că erau conectate). În această perioadă „tulburată”, Orfenov, deja un artist meritat al RSFSR, a participat la unele dintre producțiile de epocă ale lui Nemirovici, a cântat Paris în „Frumoasa Elena” (acest spectacol, din fericire, a fost înregistrat la radio în 1948). ), dar tot în spirit era un adevărat Stanislav. Prin urmare, tranziția sa în 1942 de la Teatrul Stanislavski și Nemirovici-Danchenko la Bolșoi a fost predeterminată de soartă însăși. Deși Serghei Yakovlevich Lemeshev în cartea sa „The Way to Art” exprimă punctul de vedere conform căruia cântăreți remarcabili (cum ar fi Pechkovsky și el însuși) l-au părăsit pe Stanislavsky din cauza unui sentiment de strângere și în speranța de a îmbunătăți abilitățile vocale în spații mai largi. În cazul lui Orfenov, aparent, acest lucru nu este în întregime adevărat.

Nemulțumirea creativă de la începutul anilor 40 l-a forțat să-și „stingă foamea” „pe o parte”, iar în sezonul 1940/41 Orfenov a colaborat cu entuziasm cu Ansamblul Operei de Stat al URSS sub conducerea IS Kozlovsky. Cel mai „european” în spirit tenor al epocii sovietice a fost atunci obsedat de ideile unui spectacol de operă într-un spectacol de concert (astăzi aceste idei au găsit o întruchipare foarte eficientă în Occident sub forma așa-numitei semi-scenate). , „semi-performanțe” fără decor și costume, dar cu interacțiune actoricească) și ca regizor, a pus în scenă producții ale lui Werther, Orpheus, Pagliatsev, Mozart și Salieri, Katerina lui Arkas și Natalka-Poltavka a lui Lysenko. „Am visat să găsim o nouă formă de spectacol de operă, a cărei bază să fie sunetul, și nu spectacolul”, și-a amintit Ivan Semenovici mult mai târziu. La premiere, Kozlovsky însuși a cântat părțile principale, dar în viitor a avut nevoie de ajutor. Așa că Anatoly Orfenov a cântat de șapte ori partea carismatică a lui Werther, precum și Mozart și Beppo în Pagliacci (serenada lui Harlequin trebuia să fie bis de 2-3 ori). Spectacolele au fost organizate în Sala Mare a Conservatorului, Casa Oamenilor de Știință, Casa Centrală a Artiștilor și Campusul. Din păcate, existența ansamblului a fost de foarte scurtă durată.

Militar 1942. Vin nemţii. Bombardare. Anxietate. Personalul principal al Teatrului Bolșoi a fost evacuat la Kuibyshev. Și astăzi la Moscova joacă primul act, mâine joacă opera până la sfârșit. Într-o perioadă atât de neliniștită, Orfenov a început să fie invitat la Bolșoi: mai întâi o singură dată, puțin mai târziu, ca parte a trupei. Modest, exigent cu sine, de pe vremea lui Stanislavsky a putut percepe tot ce e mai bun de la camarazii săi de pe scenă. Și era cineva care să-l perceapă – întregul arsenal de aur al vocilor rusești era atunci în stare de funcționare, condus de Obukhova, Barsova, Maksakova, Reizen, Pirogov și Khanaev. În cei 13 ani de serviciu la Bolșoi, Orfenov a avut ocazia să lucreze cu patru dirijori principali: Samuil Samosud, Ariy Pazovsky, Nikolai Golovanov și Alexander Melik-Pashaev. Din păcate, dar epoca de astăzi nu se poate lăuda cu o asemenea măreție și măreție.

Împreună cu cei mai apropiați colegi ai săi, tenorii lirici Solomon Khromchenko și Pavel Chekin, Orfenov a luat linia „al doilea eșalon” în tabelul teatral al rangurilor imediat după Kozlovsky și Lemeshev. Acești doi tenori rivali s-au bucurat de o dragoste populară fanatică cu adevărat atotcuprinzătoare, la granița cu idolatrie. Este suficient să ne amintim de luptele teatrale crâncene dintre armatele „kazloviților” și „lemeștilor” pentru a ne imagina cât de greu a fost să nu te rătăcim și, în plus, să ocupăm un loc demn în acest context tenor pentru orice cântăreț nou al unui asemenea cântăreț. rol. Și faptul că natura artistică a lui Orfenov era apropiată în spirit de începutul sincer, „Yesenin” al artei lui Lemeshev, nu a necesitat dovezi speciale, precum și faptul că el a trecut cu onoare testul comparației inevitabile cu tenorii idoli. Da, rar s-au dat premiere, iar spectacolele cu prezența lui Stalin au fost puse și mai rar. Dar ești întotdeauna binevenit să cânți prin înlocuire (jurnalul artistului este plin de note „În loc de Kozlovsky”, „În loc de Lemeshev. Raportat la ora 4 după-amiaza”; Lemeshev Orfenov a fost cel mai adesea asigurat). Jurnalele lui Orfenov, în care artistul a scris comentarii despre fiecare dintre spectacolele sale, poate să nu aibă o mare valoare literară, dar sunt un document neprețuit al epocii – avem ocazia nu numai să simțim ce înseamnă să fii în „al doilea”. row” și, în același timp, primesc o satisfacție fericită din munca sa, dar, cel mai important, să prezinte viața Teatrului Bolșoi din 1942 până în 1955, nu într-o perspectivă oficială de paradă, ci din punct de vedere al muncii obișnuite. zile. Au scris despre premierele de la Pravda și au dat Premii Stalin pentru ele, dar a doua sau a treia distribuție au susținut funcționarea normală a spectacolelor în perioada postpremieră. Anatoli Ivanovici Orfenov a fost un lucrător atât de de încredere și neobosit al Bolșoiului.

Adevărat, el și-a primit și Premiul Stalin – pentru Vasek în Mireasa bartered de Smetana. A fost o reprezentație legendară a lui Boris Pokrovsky și Kirill Kondrashin în traducerea rusă de Serghei Mikhalkov. Producția a fost realizată în 1948 în cinstea celei de-a 30-a aniversări a Republicii Cehoslovace, dar a devenit una dintre cele mai îndrăgite comedii de public și a zăbovit în repertoriu mulți ani. Mulți martori oculari consideră că imaginea grotescă a lui Vashek este punctul culminant al biografiei creative a artistului. „Vashek avea acel volum de caracter care trădează adevărata înțelepciune creativă a autorului imaginii de scenă – actorul. Vashek Orfenova este o imagine realizată subtil și inteligent. Neajunsurile foarte fiziologice ale personajului (bâlbâiala, prostia) au fost îmbrăcate pe scenă în hainele iubirii umane, umorului și farmecului ”(BA Pokrovsky).

Orfenov era considerat un specialist în repertoriul vest-european, care era interpretat în mare parte la Filială, așa că cel mai adesea trebuia să cânte acolo, în clădirea Teatrului Solodovnikovsky de pe Bolshaya Dmitrovka (unde se aflau Opera Mamontov și Opera Zimin la începutul secolelor 19-20, iar acum funcționează „Opereta de la Moscova”). Grațios și fermecător, în ciuda depravării temperamentului său, era Ducele său în Rigoletto. Galantul conte Almaviva a strălucit cu rafinament și inteligență în Bărbierul din Sevilla (în această operă, dificilă pentru orice tenor, Orfenov a stabilit un fel de record personal – l-a cântat de 107 ori). Rolul lui Alfred din La Traviata a fost construit pe contraste: un tânăr timid îndrăgostit s-a transformat într-un gelos orbit de iritare și furie, iar la sfârșitul operei a apărut ca o persoană profund iubitoare și pocăită. Repertoriul francez a fost reprezentat de opera comică a lui Faust și Aubert Fra Diavolo (partea de titlu a acestui spectacol a fost ultima operă în teatru pentru Lemeshev, la fel ca și pentru Orfenov – rolul liric al carabinierilor amorosi Lorenzo). A cântat Don Ottavio de Mozart în Don Giovanni și Jacquino de Beethoven în celebra producție Fidelio cu Galina Vishnevskaya.

Galeria de imagini rusești ale lui Orfenov este deschisă pe bună dreptate de Lensky. Vocea cântăreței, care avea un timbru blând, transparent, moliciunea și elasticitatea sunetului, se potrivea în mod ideal cu imaginea unui tânăr erou liric. Lensky al său se distingea printr-un complex special de fragilitate, nesiguranță față de furtunile lumești. O altă piatră de hotar a fost imaginea sfântului prost din „Boris Godunov”. În această reprezentație de reper a lui Baratov-Golovanov-Fyodorovsky, Anatoly Ivanovici a cântat în fața lui Stalin pentru prima dată în viața sa în 1947. Unul dintre evenimentele „incredibile” ale vieții artistice este, de asemenea, legat de această producție – într-o zi, în timpul Rigoletto. , Orfenov a fost informat că la sfârșitul operei ar trebui să ajungă de la filiala de pe scena principală (5 minute de mers pe jos) și să cânte Sfântul Nebun. Cu acest spectacol, pe 9 octombrie 1968, echipa Teatrului Bolșoi a sărbătorit împlinirea a 60 de ani a artistului și a 35 de ani de activitate creativă. Gennady Rozhdestvensky, care a condus în acea seară, a scris în „cartea de serviciu”: „Trăiască profesionalismul!” Iar interpretul rolului lui Boris, Alexander Vedernikov, a remarcat: Orfenov are cea mai prețioasă proprietate pentru un artist - simțul proporției. Sfântul Său Nebun este un simbol al conștiinței oamenilor, așa cum l-a conceput compozitorul.”

Orfenov a apărut de 70 de ori în imaginea lui Sinodal în Demonul, o operă devenită acum o raritate și, la acea vreme, una dintre cele mai repertorii. O victorie serioasă pentru artist au fost și petreceri precum oaspetele indian din Sadko și țarul Berendey din Snegurochka. Și invers, potrivit cântărețului însuși, Bayan în „Ruslan și Lyudmila”, Vladimir Igorevich în „Prințul Igor” și Gritsko în „Târgul Sorochinsky” nu au lăsat o urmă strălucitoare (artista a considerat rolul băiatului din opera lui Mussorgsky inițial „rănită”, întrucât în ​​timpul primei spectacole în această performanță a apărut o hemoragie la nivelul ligamentului). Singurul personaj rus care l-a lăsat pe cântăreț indiferent a fost Lykov din Mireasa țarului – el scrie în jurnalul său: „Nu-mi place Lykov”. Aparent, nici participarea la operele sovietice nu a stârnit entuziasmul artistului, dar aproape că nu a participat la ele la Bolșoi, cu excepția operei de o zi a lui Kabalevsky „Sub Moscova” (tânărul moscovit Vasily), opera pentru copii a lui Krasev „ Morozko” (Bunicul) și opera lui Muradeli „Marea prietenie”.

Împreună cu poporul și țara, eroul nostru nu a scăpat de vârtejele istoriei. La 7 noiembrie 1947, la Teatrul Bolșoi a avut loc o reprezentație grandioasă a operei lui Vano Muradeli Marea prietenie, în care Anatoly Orfenov a interpretat partea melodică a ciobanului Dzhemal. Ce s-a întâmplat în continuare, toată lumea știe – infamul decret al Comitetului Central al PCUS. De ce tocmai această operă „cântec” complet inofensivă a servit drept semnal pentru începutul unei noi persecuții a „formaliștilor” Șostakovici și Prokofiev este o altă enigma a dialecticii. Dialectica destinului lui Orfenov nu este mai puțin surprinzătoare: a fost un mare activist social, deputat al Consiliului Regional al Deputaților Poporului și, în același timp, toată viața sa și-a păstrat cu sfințenie credința în Dumnezeu, a mers deschis la biserică și a refuzat să aderă la Partidul Comunist. Este surprinzător că nu a fost plantat.

După moartea lui Stalin, în teatru a fost aranjată o epurare bună – a început o schimbare generațională artificială. Iar Anatoly Orfenov a fost unul dintre primii cărora li s-a dat să înțeleagă că este timpul pentru o pensie de vechime, deși în 1955 artistul avea doar 47 de ani. A cerut imediat demisia. Aceasta era proprietatea lui vitală – să plece imediat de unde nu era binevenit.

Cooperarea fructuoasă cu Radio a început cu Orfenov în anii 40 – vocea lui s-a dovedit a fi surprinzător de „radiogenă” și se potrivea bine în înregistrare. În acel moment nu cel mai strălucitor pentru țară, când propaganda totalitară era în plină desfășurare, când aerul era plin de discursurile canibaliste ale acuzatorului șef la procese fabricate, difuzarea muzicală nu se limita în niciun caz la marșuri de entuziaști și cântece despre Stalin. , dar a promovat clasicii înalți. Suna multe ore pe zi, atât la înregistrare, cât și la difuzare din studiouri și săli de concerte. Anii 50 au intrat în istoria Radioului ca perioada de glorie a operei – în acești ani s-a înregistrat stocul de operă de aur al fondului radio. Pe lângă partiturile cunoscute, au renascut multe lucrări de operă uitate și rar interpretate, precum Pan Voievoda de Rimski-Korsakov, Voievoda de Ceaikovski și Oprichnik. În ceea ce privește semnificația artistică, grupul vocal al Radioului, deși inferior Teatrului Bolșoi, era doar puțin. Numele Zara Dolukhanova, Natalia Rozhdestvenskaya, Deborah Pantofel-Nechetskaya, Nadezhda Kazantseva, Georgy Vinogradov, Vladimir Bunchikov erau pe buzele tuturor. Atmosfera creativă și umană de la Radio a acelor ani a fost excepțională. Cel mai înalt nivel de profesionalism, gust impecabil, competență în repertoriu, eficiență și inteligență a angajaților, simțul comunității breslei și asistența reciprocă continuă să încânte mulți ani mai târziu, când toate acestea au dispărut. Activitățile la radio, în care Orfenov nu era doar solist, ci și directorul artistic al unui grup vocal, s-au dovedit a fi extrem de fructuoase. Pe lângă numeroasele înregistrări stoc, în care Anatoly Ivanovici și-a demonstrat cele mai bune calități ale vocii, a introdus în practică spectacole de concerte publice ale operelor de la Radio în Sala Coloanelor Casei Sindicatelor. Din păcate, astăzi această colecție cea mai bogată de muzică înregistrată s-a dovedit a fi deplasată și stă în greutate – epoca consumului a pus în prim plan priorități muzicale complet diferite.

Anatoly Orfenov a fost cunoscut și ca interpret de cameră. A avut succes în special în versurile vocale rusești. Înregistrările din ani diferiți reflectă stilul inerent de acuarelă al cântăreței și, în același timp, capacitatea de a transmite drama ascunsă a subtextului. Opera lui Orfenov în genul cameral se distinge prin cultură și gust rafinat. Paleta de mijloace expresive a artistului este bogată – de la mezza voce aproape eterică și cantilena transparentă până la culmi expresive. În evidenţele anilor 1947-1952. Originalitatea stilistică a fiecărui compozitor este transmisă foarte exact. Rafinamentul elegiac al romancelor lui Glinka coexistă cu simplitatea sinceră a romancelor lui Gurilev (celebrul Clopot, prezentat pe acest disc, poate servi drept standard pentru interpretarea muzicii de cameră din epoca pre-Glinka). La Dargomyzhsky, lui Orfenov i-au plăcut în special romanțele „Ce este numele meu pentru tine” și „Am murit de fericire”, pe care le-a interpretat ca schițe psihologice subtile. În romanțele lui Rimsky-Korsakov, cântăreața a pornit începutul emoțional cu profunzime intelectuală. Monologul lui Rahmaninov „Noaptea în grădina mea” sună expresiv și dramatic. De mare interes sunt înregistrările romanțelor lui Taneyev și Tcherepnin, a căror muzică se aude rar în concerte.

Versurile romantice ale lui Taneyev sunt caracterizate de stări și culori impresioniste. Compozitorul a reușit să surprindă în miniaturile sale schimbări subtile de nuanțe în starea de spirit a eroului liric. Gândurile și sentimentele sunt completate de sunetul aerului nopții de primăvară sau de un vârtej ușor monoton al mingii (ca în binecunoscutul romantism bazat pe poemele lui Y. Polonsky „Mască”). Reflectând asupra artei camerale a lui Cerepnin, academicianul Boris Asafiev a atras atenția asupra influenței școlii Rimski-Korsakov și a impresionismului francez („gravitația spre captarea impresiilor naturii, spre aer, spre colorat, spre nuanțele luminii și ale umbrei”). . În romanțele bazate pe poeziile lui Tyutchev, aceste trăsături se desprind în colorarea rafinată a armoniei și texturii, în detalii fine, în special în partea de pian. Înregistrările romanțelor rusești realizate de Orfenov împreună cu pianistul David Gaklin sunt un exemplu excelent de realizare a muzicii de ansamblu de cameră.

În 1950, Anatoly Orfenov a început să predea la Institutul Gnessin. A fost un profesor foarte grijuliu și înțelegător. Nu a impus niciodată, nu a forțat să imite, dar de fiecare dată a pornit de la individualitatea și capacitățile fiecărui elev. Chiar dacă niciunul dintre ei nu a devenit un mare cântăreț și nu a făcut o carieră mondială, dar câți profesor universitar Orfenov a reușit să corecteze voci - i s-au dat adesea voci fără speranță sau care nu au fost luați la cursuri de alți profesori mai ambițioși . Printre studenții săi nu s-au numărat doar tenori, ci și basi (tenorul Yuri Speransky, care a lucrat în diferite teatre ale URSS, acum conduce departamentul de formare în operă la Academia Gnessin). Au existat puține voci feminine, iar printre ele s-a numărat și fiica cea mare Lyudmila, care a devenit ulterior solistă a Corului Teatrului Bolșoi. Autoritatea lui Orfenov ca profesor a devenit în cele din urmă internațională. Activitatea sa de predare străină de lungă durată (aproape zece ani) a început în China și a continuat la conservatoarele din Cairo și Bratislava.

În 1963, a avut loc prima întoarcere la Teatrul Bolșoi, unde Anatoly Ivanovici a fost șeful trupei de operă timp de 6 ani - aceștia au fost anii în care a venit prima oară La Scala, iar Bolșoiul a făcut turnee la Milano, când viitoarele vedete (Obraztsova, Atlantov , Nesterenko, Mazurok, Kasrashvili, Sinyavskaya, Piavko). Conform amintirilor multor artiști, nu a existat o trupă atât de minunată. Orfenov a știut întotdeauna să ia poziția de „mijloc de aur” între conducere și soliști, i-a sprijinit tatăl pe cântăreți, în special pe tineri, cu sfaturi bune. La sfârșitul anilor 60-70, puterea în Teatrul Bolșoi s-a schimbat din nou, iar întreaga direcție, condusă de Chulaki și Anastasiev, a plecat. În 1980, când Anatoli Ivanovici s-a întors din Cehoslovacia, i s-a numit imediat Bolșoi. În 1985, s-a pensionat din cauza unei boli. A murit în 1987. A fost înmormântat la cimitirul Vagankovsky.

Avem vocea lui. Au existat jurnale, articole și cărți (printre care se numără „Drumul creator al lui Sobinov”, precum și o colecție de portrete creative ale tinerilor soliști ai Bolșoiului „Tinerețe, speranțe, realizări”). Rămân amintiri calde ale contemporanilor și prietenilor, care mărturisesc că Anatoly Orfenov a fost un om cu Dumnezeu în suflet.

Andrei Khripin