Mihail Vasilievici Pletnev |

Mihail Pletnev

Mihail Vasilyevich Pletnev atrage atenția atât a specialiștilor, cât și a publicului larg. El este foarte popular; Nu ar fi exagerat să spunem că în acest sens el se deosebește oarecum în șirul lung de laureați ai competițiilor internaționale din ultimii ani. Spectacolele pianistului sunt aproape întotdeauna epuizate și nu există niciun indiciu că această situație s-ar putea schimba.

Pletnev este un artist complex, extraordinar, cu chipul său caracteristic, memorabil. Poți să-l admiri sau nu, să-l proclami liderul artei pianistice moderne sau complet, „din senin”, să respingi tot ceea ce face (se întâmplă), în orice caz, cunoașterea cu el nu lasă oamenii indiferenți. Și asta contează, până la urmă.

… S-a născut pe 14 aprilie 1957 la Arhangelsk, într-o familie de muzicieni. Mai târziu s-a mutat împreună cu părinții săi la Kazan. Mama lui, pianistă de educație, a lucrat la un moment dat ca acompaniator și profesor. Tatăl meu a fost acordeonist, a predat la diferite instituții de învățământ și timp de câțiva ani a fost profesor asistent la Conservatorul din Kazan.

Misha Pletnev și-a descoperit devreme capacitatea de a muzica – de la vârsta de trei ani a ajuns la pian. Kira Alexandrovna Shashkina, profesor la Școala Specială de Muzică Kazan, a început să-l învețe. Astăzi își amintește de Shashkina doar cu un cuvânt bun: „Un muzician bun... În plus, Kira Alexandrovna mi-a încurajat încercările de a compune muzică și nu pot decât să-i mulțumesc pentru asta.”

La vârsta de 13 ani, Misha Pletnev s-a mutat la Moscova, unde a devenit student al Școlii Centrale de Muzică în clasa EM Timakin. Un profesor proeminent, care a deschis calea către scenă pentru mulți participanți la concerte celebri ulterior, EM Timakin l-a ajutat pe Pletnev în multe feluri. „Da, da, foarte mult. Și aproape în primul rând – în organizarea aparatului motor-tehnic. Un profesor care gândește profund și interesant, Evgeny Mikhailovici este excelent în a face acest lucru. Pletnev a rămas în clasa lui Timakin câțiva ani, iar apoi, când era student, s-a mutat la profesorul Conservatorului din Moscova, Ya. V. Zburător.

Pletnev nu a avut lecții ușoare cu Flier. Și nu numai din cauza cerințelor ridicate ale lui Yakov Vladimirovici. Și nu pentru că ar reprezenta diferite generații în artă. Personalitățile, personajele, temperamentele lor creative erau prea diferite: un înflăcărat, entuziast, în ciuda vârstei sale, profesor și student care arăta aproape complet opusul său, aproape un antipod... Dar Flier, după cum se spune, nu a fost ușor cu Pletnev. Nu a fost ușor din cauza naturii sale dificile, încăpățânate, de nerezolvat: avea un punct de vedere propriu și independent asupra aproape tot, nu părăsea discuții, ci, dimpotrivă, le căuta deschis – au luat puțină credință fără. dovezi. Martorii oculari spun că Flier trebuia uneori să se odihnească mult timp după lecțiile cu Pletnev. Odată, de parcă ar fi spus că își cheltuiește la fel de multă energie într-o lecție cu el, precum și în două concerte solo... Toate acestea, însă, nu au interferat cu afecțiunea profundă a profesorului și a elevului. Poate, dimpotrivă, a întărit-o. Pletnev a fost „cântecul lebedei” al profesorului Flier (din păcate, el nu a trebuit să se ridice la nivelul celui mai tare triumf al elevului său); profesorul a vorbit despre el cu speranță, admirație, crezut în viitorul lui: „Vedeți, dacă joacă cât de bine, chiar o să auzi ceva neobișnuit. Acest lucru nu se întâmplă des, credeți-mă – am suficientă experiență…” (Gornostaeva V. Dispute în jurul numelui // Cultura sovietică. 1987. 10 martie.).

Și mai trebuie menționat un muzician, în care sunt enumerați cei cărora Pletnev este îndatorat, cu care a avut contacte creative destul de lungi. Acesta este Lev Nikolaevich Vlasenko, la a cărui clasă a absolvit conservatorul în 1979, apoi un stagiar asistent. Este interesant de amintit că acest talent este, în multe privințe, o configurație creativă diferită de cea a lui Pletnev: emotivitatea lui generoasă, deschisă, sfera de interpretare largă – toate acestea trădează în el un reprezentant al unui alt tip artistic. Cu toate acestea, în artă, ca și în viață, contrariile converg adesea, se dovedesc a fi utile și necesare unul altuia. Există multe exemple în acest sens în viața pedagogică de zi cu zi și în practica muzicii de ansamblu etc., etc.

… În anii de școală, Pletnev a participat la Concursul Internațional de Muzică de la Paris (1973) și a câștigat Marele Premiu. În 1977 a câștigat premiul I la Concursul de pian All-Union din Leningrad. Și apoi a urmat unul dintre evenimentele principale și decisive ale vieții sale artistice – un triumf de aur la cel de-al șaselea Concurs Ceaikovski (1978). Aici începe calea lui către marea artă.

Este de remarcat faptul că a intrat pe scena concertelor ca un artist aproape complet. Dacă de obicei, în astfel de cazuri, trebuie să vedem cum un ucenic crește treptat într-un maestru, un ucenic într-un artist matur, independent, atunci cu Pletnev nu a fost posibil să se observe acest lucru. Procesul de maturizare creativă s-a dovedit a fi aici, parcă, restrâns, ascuns de privirile indiscrete. Publicul s-a familiarizat imediat cu un concertist bine stabilit – calm și prudent în acțiunile sale, perfect stăpân pe sine, știind cu fermitate acea vrea să spună şi as ar trebui făcută. În jocul lui nu se vedea nimic imatur artistic, dizarmonic, nestabilit, studențesc – deși avea doar 20 de ani la acea vreme, cu puțină experiență scenică, practic nu avea.

Printre colegii săi, el s-a remarcat în mod vizibil atât prin seriozitatea, strictețea interpretărilor interpretate, cât și printr-o atitudine extrem de pură, înălțată din punct de vedere spiritual, față de muzică; acesta din urmă, probabil, l-a dispus cel mai mult... Programele sale din acei ani au inclus celebra Sonata a treizeci și două de Beethoven – o pânză muzicală complexă, profundă din punct de vedere filozofic. Și este caracteristic că această compoziție s-a întâmplat să devină una dintre culmile creative ale tânărului artist. Publicul de la sfârșitul anilor șaptezeci – începutul anilor optzeci este puțin probabil să fi uitat de Arietta (a doua parte a sonatei) interpretată de Pletnev – apoi, pentru prima dată, tânărul a lovit-o cu felul său de a pronunța, parcă, într-un ton mic. , foarte ponderal și semnificativ, textul muzical. Apropo, el a păstrat acest mod până în zilele noastre, fără a-și pierde efectul hipnotic asupra publicului. (Există un aforism pe jumătate glume, conform căruia toți artiștii concertist pot fi împărțiți în două categorii principale; unii pot cânta bine prima parte a Sonatei a treizeci și doua a lui Beethoven, alții pot interpreta a doua parte a acesteia. Pletnev joacă ambele părți în mod egal. Ei bine; acest lucru se întâmplă foarte rar.).

În general, uitându-ne înapoi la debutul lui Pletnev, nu se poate să nu subliniem că, chiar și când era încă destul de tânăr, nu era nimic frivol, superficial în jocul lui, nimic din beteala goală de virtuoz. Cu tehnica sa pianistică excelentă – elegantă și strălucitoare – nu a dat niciodată niciun motiv să-și reproșeze efectele pur exterioare.

Aproape încă de la primele spectacole ale pianistului, critica a vorbit despre mintea lui clară și rațională. Într-adevăr, reflectarea gândirii este întotdeauna clar prezentă asupra a ceea ce face el la tastatură. „Nu abruptul mișcărilor spirituale, ci uniformitatea cercetare”- este ceea ce determină, potrivit lui V. Chinaev, tonul general al artei lui Pletnev. Criticul adaugă: „Pletnev explorează cu adevărat țesătura sonoră – și o face fără cusur: totul este evidențiat – până la cel mai mic detaliu – nuanțele plexurilor texturate, logica proporțiilor întrerupte, dinamice, formale iese în minte în mintea ascultătorului. Jocul minții analitice – încrezător, cunoscător, inconfundabil” (Chinaev V. Calmul clarității // Muzica sov. 1985. Nr. 11. P. 56.).

Odată, într-un interviu publicat în presă, interlocutorul lui Pletnev i-a spus: „Tu, Mihail Vasilievici, ești considerat un artist al unui depozit intelectual. Cântăriți în acest sens diferitele argumente pro și contra. Interesant, ce înțelegeți prin inteligență în arta muzicii, în special interpretarea? Și cum se corelează intelectualul și intuitivul în munca ta?”

„În primul rând, dacă vrei, despre intuiție”, a răspuns el. — Mi se pare că intuiția ca abilitate este undeva aproape de ceea ce înțelegem prin talent artistic și creativ. Datorită intuiției – să-i spunem, dacă vrei, darul providenței artistice – o persoană poate realiza mai mult în artă decât urcând doar pe un munte de cunoștințe și experiență deosebită. Există multe exemple care să-mi susțină ideea. Mai ales în muzică.

Dar cred că întrebarea ar trebui pusă puțin diferit. De ce or un lucru or alte? (Dar, din păcate, așa abordează de obicei problema despre care vorbim.) De ce nu o intuiție foarte dezvoltată la care se adauga bună cunoaștere, bună înțelegere? De ce nu intuiția plus capacitatea de a înțelege rațional sarcina creativă? Nu există combinație mai bună decât aceasta.

Uneori auzi că încărcătura cunoștințelor poate, într-o anumită măsură, să împovărească o persoană creativă, să înăbușească începutul intuitiv din el... Nu cred. Mai degrabă, dimpotrivă: cunoașterea și gândirea logică dau intuiției putere, claritate. Du-l la un nivel superior. Dacă o persoană simte subtil artă și, în același timp, are capacitatea de operații analitice profunde, va merge mai departe în creativitate decât cineva care se bazează doar pe instinct.

Apropo, acei artiști pe care personal îmi plac în mod deosebit în artele muzicale și spectacolului se disting doar printr-o combinație armonioasă a intuitivului – și a raționalului-logic, a inconștientului – și a conștientului. Toți sunt puternici atât în ​​conjectura artistică, cât și în intelect.

… Se spune că, atunci când remarcabilul pianist italian Benedetti-Michelangeli era în vizită la Moscova (a fost la mijlocul anilor şaizeci), a fost întrebat la una dintre întâlnirile cu muzicienii capitalei – ceea ce, în opinia sa, este deosebit de important pentru un interpret. ? El a răspuns: cunoștințe muzicale-teoretice. Curios, nu-i așa? Și ce înseamnă cunoștințele teoretice pentru un interpret în cel mai larg sens al cuvântului? Aceasta este inteligența profesională. În orice caz, miezul ei...” (Viața muzicală. 1986. Nr. 11. P. 8.).

Discuțiile despre intelectualismul lui Pletnev au loc de mult timp, după cum s-a menționat. Le puteți auzi atât în ​​cercurile specialiștilor, cât și printre iubitorii de muzică obișnuiți. După cum a remarcat odată un scriitor celebru, există conversații care, odată începute, nu se opresc... De fapt, nu a fost nimic reprobabil în aceste conversații în sine, dacă nu uitați: în acest caz, nu ar trebui să vorbim despre „răceala” înțeleasă primitiv a lui Pletnev ( dacă ar fi doar rece, sărac din punct de vedere emoțional, nu ar avea ce face pe scena concertului) și nu despre un fel de „gândire” despre el, ci despre atitudinea deosebită a artistului. O tipologie specială a talentului, un „mod” special de a percepe și exprima muzica.

Cât despre reținerea emoțională a lui Pletnev, despre care se vorbește atât de mult, întrebarea este dacă merită să ne certăm despre gusturi? Da, Pletnev este o natură închisă. Severitatea emoțională a jocului său poate ajunge uneori aproape la asceză – chiar și atunci când îl interpretează pe Ceaikovski, unul dintre autorii săi preferați. Cumva, după una dintre spectacolele pianistului, în presă a apărut o recenzie, al cărei autor a folosit expresia: „versuri indirecte” – era și exactă și la obiect.

Aceasta este, repetăm, natura artistică a artistului. Și nu se poate decât să se bucure că nu „se joacă”, nu folosește cosmetice de scenă. În cele din urmă, printre cei care cu adevărat ai ceva de spus, izolarea nu este atât de rară: atât în ​​viață, cât și pe scenă.

Când Pletnev și-a făcut debutul ca concertist, un loc proeminent în programele sale l-au ocupat lucrările lui JS Bach (Partita în si minor, Suite în la minor), Liszt (Rapsodiile XNUMX și XNUMX, Concertul pentru pian nr. XNUMX), Ceaikovski ( Variațiuni în fa major, concerte pentru pian), Prokofiev (sonata a șaptea). Ulterior, a cântat cu succes o serie de lucrări de Schubert, Sonata a treia a lui Brahms, piese din ciclul Anii de rătăcire și Rapsodia a douăsprezecea a lui Liszt, Islamey a lui Balakirev, Rapsodia lui Rahmaninov pe o temă a lui Paganini, Sonata Mare, Anotimpurile lui Tchaikov și individual. .

Este imposibil să nu menționăm serile sale monografice dedicate sonatelor lui Mozart și Beethoven, ca să nu mai vorbim de Concertul al doilea pentru pian al lui Saint-Saens, preludiile și fugile de Șostakovici. În sezonul 1986/1987 Concertul în re major al lui Haydn, Suita pentru pian a lui Debussy, Preludiile lui Rahmaninov, op. 23 și alte piese.

Perseverent, cu o intenție fermă, Pletnev își caută propriile sfere stilistice cele mai apropiate de el în repertoriul mondial de pian. Se încearcă în arta diferiților autori, epoci, tendințe. În unele privințe, el eșuează, dar în cele mai multe cazuri găsește ceea ce are nevoie. În primul rând, în muzica secolului al XNUMX-lea (JS Bach, D. Scarlatti), în clasicii vienezi (Haydn, Mozart, Beethoven), în unele regiuni creative ale romantismului (Liszt, Brahms). Și, desigur, în scrierile autorilor școlilor ruse și sovietice.

Mai discutabil este Chopinul lui Pletnev (sonate a doua și a treia, poloneze, balade, nocturne etc.). Aici, în această muzică, cineva începe să simtă că pianistului îi lipsește uneori imediatul și deschiderea sentimentelor; mai mult, este caracteristic că într-un repertoriu diferit nu i se trece niciodată să se vorbească despre el. Aici, în lumea poeticii lui Chopin, observi brusc că Pletnev nu este într-adevăr prea înclinat spre revărsări furtunoase ale inimii, că el, în termeni moderni, nu este foarte comunicativ și că există întotdeauna o anumită distanță între el și publicul. Dacă interpreții care, în timp ce conduc un muzical „vorbesc” cu ascultătorul, par să fie pe „tu” cu el; Pletnev întotdeauna și numai pe „tu”.

Și încă un punct important. După cum știți, în Chopin, în Schumann, în operele altor romantici, interpretului i se cere adesea să aibă un joc extraordinar de capricios de dispoziții, impulsivitatea și imprevizibilitatea mișcărilor spirituale, flexibilitatea nuanțelor psihologice, pe scurt, tot ce se întâmplă doar oamenilor dintr-un anumit depozit poetic. Totuși, Pletnev, muzician și persoană, are ceva puțin diferit... Nici improvizația romantică nu este aproape de el - acea libertate și degajare deosebită a modului scenic, când pare că opera apare spontan, aproape spontan sub degetele lui. concertist.

Apropo, unul dintre muzicologii foarte respectați, care a vizitat odată spectacolul unui pianist, și-a exprimat opinia că muzica lui Pletnev „se naște acum, chiar în acest moment” (Tsareva E. Crearea unei imagini a lumii // Muzica sov. 1985. Nr. 11. P. 55.). Nu-i asa? Nu ar fi mai corect să spunem că este invers? În orice caz, este mult mai obișnuit să auzi că totul (sau aproape totul) în opera lui Pletnev este atent gândit, organizat și construit în avans. Și apoi, cu acuratețea și consistența sa inerente, este întruchipat „în material”. Încorporat cu precizie de lunetist, cu aproape sută la sută lovită asupra țintei. Aceasta este metoda artistică. Acesta este stilul, iar stilul, știi, este o persoană.

Este simptomatic faptul că Pletnev interpretul este uneori comparat cu Karpov, jucătorul de șah: ei găsesc ceva în comun în natura și metodologia activităților lor, în abordările de rezolvare a sarcinilor creative cu care se confruntă, chiar și în „imaginea” pur externă a ceea ce ei creează – unul în spatele pianului cu tastatură, alții la tabla de șah. Interpretările interpretative ale lui Pletnev sunt comparate cu construcțiile clasice clare, armonioase și simetrice ale lui Karpov; acestea din urmă, la rândul lor, sunt asemănate cu construcțiile sonore ale lui Pletnev, impecabile din punct de vedere al logicii gândirii și al tehnicii de execuție. Cu toată convenționalitatea unor astfel de analogii, cu toată subiectivitatea lor, ele poartă în mod clar ceva care atrage atenția...

Merită adăugat la cele spuse că stilul artistic al lui Pletnev este în general tipic artelor muzicale și spectacolului din timpul nostru. În special, acea încarnare de scenă anti-improvizație, care tocmai a fost subliniată. Ceva similar poate fi observat în practica celor mai importanți artiști ai zilelor noastre. În aceasta, ca și în multe alte lucruri, Pletnev este foarte modern. Poate de aceea există o dezbatere atât de aprinsă în jurul artei sale.

… El dă de obicei impresia unei persoane care este complet încrezătoare în sine – atât pe scenă, cât și în viața de zi cu zi, în comunicarea cu ceilalți. Unora le place, altora nu prea le place... În aceeași conversație cu el, dintre care fragmente au fost citate mai sus, acest subiect a fost atins indirect:

– Desigur, știi, Mihail Vasilevici, că există artiști care tind să se supraestimeze într-o măsură sau alta. Alții, dimpotrivă, suferă de o subestimare a propriului „eu”. Ați putea comenta acest fapt și ar fi bine din acest unghi: stima de sine interioară a artistului și bunăstarea lui creativă. Exact creator...

– După părerea mea, totul depinde de stadiul muncii în care se află muzicianul. În ce stadiu. Imaginați-vă că un anumit interpret învață o piesă sau un program de concert care este nou pentru el. Așadar, un lucru este să te îndoiești la începutul muncii sau chiar în mijlocul ei, când ești unul la unu cu muzica și cu tine însuți. Și încă unul – pe scenă…

În timp ce artistul se află într-o singurătate creativă, în timp ce este încă în proces de lucru, este destul de firesc să nu aibă încredere în sine, să subestimeze ceea ce a făcut. Toate acestea sunt numai pentru bine. Dar când te găsești în public, situația se schimbă și în mod fundamental. Aici, orice fel de reflecție, subestimarea de sine este plină de necazuri serioase. Uneori ireparabil.

Sunt muzicieni care se chinuiesc constant cu gânduri că nu vor putea face ceva, vor gafă în ceva, vor eșua undeva; etc. Și în general, spun ei, ce ar trebui să facă pe scenă când există, să zicem, Benedetti Michelangeli în lume... Este mai bine să nu apară pe scenă cu astfel de mentalități. Dacă ascultătorul din sală nu se simte încrezător în artist, acesta își pierde involuntar respectul pentru el. Astfel (acesta este cel mai rău dintre toate) și la arta lui. Nu există convingere interioară – nu există persuasivitate. Interpretul ezită, interpretul ezită, iar publicul se îndoiește și el.

În general, aș rezuma astfel: îndoieli, subestimarea eforturilor tale în procesul temelor – și poate mai multă încredere în sine pe scenă.

– Încrederea în sine, spui… E bine dacă această trăsătură este inerentă unei persoane în principiu. Dacă ea este în natura lui. Și dacă nu?

„Atunci nu știu. Dar mai știu cu fermitate altceva: toate lucrările preliminare la programul pe care îl pregătiți pentru afișare publică trebuie făcute cu cea mai mare atenție. Conștiința interpretului, după cum se spune, trebuie să fie absolut pură. Apoi vine încrederea. Cel puțin așa este pentru mine (Viața muzicală. 1986. Nr. 11. P. 9.).

… În jocul lui Pletnev, atenția este întotdeauna atrasă asupra minuțiozității finisajului exterior. Urmarea bijuteriilor a detaliilor, corectitudinea impecabilă a liniilor, claritatea contururilor sonore și alinierea strictă a proporțiilor sunt izbitoare. De fapt, Pletnev nu ar fi Pletnev dacă nu ar fi această completitudine absolută în tot ceea ce este opera mâinilor sale – dacă nu pentru această abilitate tehnică captivantă. „În artă, o formă grațioasă este un lucru grozav, mai ales acolo unde inspirația nu străpunge valurile furtunoase...” (Despre interpretarea muzicală. – M., 1954. P. 29.)– a scris odată VG Belinsky. L-a avut în vedere pe actorul contemporan VA Karatygin, dar a exprimat legea universală, care ține nu numai de teatrul de teatru, ci și de scena de concert. Și nimeni altul decât Pletnev este o confirmare magnifică a acestei legi. Poate fi mai mult sau mai puțin pasionat de procesul de a face muzică, poate cânta mai mult sau mai puțin cu succes – singurul lucru pe care pur și simplu nu poate fi este neglijent...

„Sunt concertişti”, continuă Mihail Vasilievici, în a cărui interpretare se simte uneori un fel de aproximare, schiţă. Acum, uite, ei „untează” gros cu pedala un loc dificil din punct de vedere tehnic, apoi își ridică artistic mâinile, își rotesc ochii spre tavan, distragând atenția ascultătorului de la principalul lucru, de la tastatură... Personal, asta este străin pentru mine. Repet: pornesc de la premisa că într-o lucrare efectuată în public, totul ar trebui adus la deplină deplinătate profesională, claritate și perfecțiune tehnică în cursul temelor. În viață, în viața de zi cu zi, respectăm doar oamenii cinstiți, nu-i așa? — și nu-i respectăm pe cei care ne rătăcesc. La fel este și pe scenă.”

De-a lungul anilor, Pletnev este din ce în ce mai strict cu el însuși. Criteriile după care se ghidează în munca sa devin mai rigide. Termenii de învățare a lucrărilor noi devin mai lungi.

„Vedeți, când eram încă student și tocmai începeam să joc, cerințele mele pentru joc se bazau nu numai pe propriile mele gusturi, opinii, abordări profesionale, ci și pe ceea ce am auzit de la profesorii mei. Într-o anumită măsură, m-am văzut prin prisma percepției lor, m-am judecat pe baza instrucțiunilor, aprecierilor și dorințelor lor. Și a fost complet natural. Se întâmplă tuturor când studiază. Acum eu însumi, de la început până la sfârșit, îmi determin atitudinea față de ceea ce s-a făcut. Este mai interesant, dar și mai dificil, mai responsabil.”

* * *

Pletnev astăzi avansează constant, constant. Acest lucru este vizibil pentru fiecare observator fără prejudecăți, oricine care stie cum vedea. Și vrea vezi, desigur. În același timp, ar fi greșit să credem, desigur, că drumul lui este întotdeauna uniform și drept, liber de orice zig-zag interior.

„Nu pot spune în niciun fel că am ajuns acum la ceva de neclintit, definitiv, ferm stabilit. Nu pot spune: înainte, spun ei, făceam cutare sau cutare greșeli, dar acum știu totul, înțeleg și nu voi mai repeta greșelile. Desigur, unele concepții greșite și calcule greșite ale trecutului devin mai evidente pentru mine de-a lungul anilor. Totuși, sunt departe de a crede că astăzi nu cad în alte iluzii care să se facă simțite mai târziu.

Poate că este imprevizibilitatea dezvoltării lui Pletnev ca artist – acele surprize și surprize, dificultăți și contradicții, acele câștiguri și pierderi pe care le implică această dezvoltare – și provoacă un interes sporit pentru arta sa. Un interes care și-a dovedit forța și stabilitatea atât în ​​țara noastră, cât și în străinătate.

Desigur, nu toată lumea îl iubește pe Pletnev la fel. Nu există nimic mai natural și mai ușor de înțeles. Remarcabilul prozator sovietic Y. Trifonov a spus odată: „După părerea mea, un scriitor nu poate și nu trebuie să fie plăcut de toată lumea” (Trifonov Yu. Cum va răspunde cuvântul nostru... – M., 1985. S. 286.). Muzician de asemenea. Dar practic toată lumea îl respectă pe Mihail Vasilievici, fără a exclude majoritatea absolută a colegilor săi de pe scenă. Probabil că nu există un indicator mai de încredere și mai adevărat, dacă vorbim despre meritele reale și nu imaginare ale interpretului.

Respectul de care se bucură Pletnev este mult facilitat de înregistrările sale de gramofon. Apropo, el este unul dintre acei muzicieni care nu numai că nu pierd la înregistrări, dar uneori chiar câștigă. O confirmare excelentă în acest sens sunt discurile care prezintă interpretarea de către pianistă a mai multor sonate Mozart („Melody”, 1985), sonata în si minor, „Mephisto-Waltz” și alte piese de Liszt („Melody”, 1986), Primul Concert pentru pian și „Rapsodie pe o temă Paganini” de Rahmaninov („Melodie”, 1987). „Anotimpurile” de Ceaikovski („Melodia”, 1988). Această listă ar putea fi continuată dacă se dorește...

Pe lângă principalul lucru din viața sa - cântatul la pian, Pletnev compune, dirija, predă și este angajat în alte lucrări; Într-un cuvânt, ia mult. Acum, însă, se gândește din ce în ce mai mult la faptul că este imposibil să lucrezi în mod constant doar pentru „dăruire”. Că este necesar să încetinești din când în când, să privești în jur, să percepi, să asimilezi...

„Avem nevoie de niște economii interne. Doar atunci când sunt, există dorința de a te întâlni cu ascultătorii, de a împărtăși ceea ce ai. Pentru un muzician care interpretează, precum și pentru un compozitor, scriitor, pictor, acest lucru este extrem de important - dorința de a împărtăși... Să le spui oamenilor ceea ce știi și ce simți, să le transmită entuziasmul tău creator, admirația ta pentru muzică, înțelegerea ta. Dacă nu există o astfel de dorință, nu ești artist. Și arta ta nu este artă. Am observat de mai multe ori, la întâlnirea cu mari muzicieni, că de aceea urcă pe scenă, că trebuie să-și facă publice conceptele creative, să povestească despre atitudinea lor față de cutare sau cutare lucrare, autorul. Sunt convins că acesta este singurul mod de a vă trata afacerea.”

G. Tsypin, 1990

În 1980, Pletnev și-a făcut debutul ca dirijor. Dând principalele forțe ale activității pianistice, a apărut adesea la consola principalelor orchestre ale țării noastre. Dar ascensiunea carierei sale de dirijor a venit în anii 90, când Mihail Pletnev a fondat Orchestra Națională a Rusiei (1990). Sub conducerea sa, orchestra, adunată dintre cei mai buni muzicieni și oameni cu idei similare, și-a câștigat foarte repede reputația de una dintre cele mai bune orchestre din lume.

Activitatea de conducere a lui Mihail Pletnev este bogată și variată. În ultimele sezoane, Maestrul și RNO au prezentat o serie de programe monografice dedicate lui JS Bach, Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms, Liszt, Wagner, Mahler, Ceaikovski, Rimski-Korsakov, Scriabin, Prokofiev, Șostakovici, Stravinski… O atenție sporită acordată dirijorului se concentrează pe genul de operă: în octombrie 2007, Mihail Pletnev și-a făcut debutul ca dirijor de operă la Teatrul Bolșoi cu opera lui Ceaikovski Regina de pică. În anii următori, dirijorul a susținut spectacole de concert cu Aleko și Francesca da Rimini de Rahmaninov, Carmen de Bizet (Sala de concerte PI Ceaikovski) și Noaptea de mai a lui Rimski-Korsakov (Muzeul Moșiei Arkhangelskoye).

Pe lângă colaborarea fructuoasă cu Orchestra Națională Rusă, Mikhail Pletnev acționează ca dirijor invitat cu formații muzicale de top precum Mahler Chamber Orchestra, Concertgebouw Orchestra, Philharmonia Orchestra, London Symphony Orchestra, Birmingham Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic Orchestra, Tokyo Philharmonic …

În 2006, Mihail Pletnev a creat Fundația Mihail Pletnev pentru Sprijinul Culturii Naționale, o organizație al cărei scop, alături de furnizarea principalului creier al lui Pletnev, Orchestra Națională Rusă, este să organizeze și să susțină proiecte culturale de cel mai înalt nivel, precum Volga. Tururi, un concert memorial în memoria victimelor tragediilor teribile din Beslan, programul muzical și educațional „Magia muzicii”, conceput special pentru elevii orfelinatelor și școli-internat pentru copii cu dizabilități fizice și psihice, un program de abonament în Sala de concerte „Orchestrion”, unde se susțin concerte împreună cu MGAF, inclusiv pentru cetățenii neprotejați social, activitate discografică extinsă și Festivalul Mare RNO.

Un loc foarte semnificativ în activitatea creativă a lui M. Pletnev este ocupat de compoziție. Printre lucrările sale se numără Triptic pentru orchestră simfonică, Fantezie pentru vioară și orchestră, Capriccio pentru pian și orchestră, aranjamente pentru pian ale suitelor din muzica baletelor Spărgătorul de nuci și Frumoasa adormită de Ceaikovski, fragmente din muzica baletului Anna Karenina de Shchedrin, Concertul pentru vioară, aranjament pentru clarinet din Concertul pentru vioară al lui Beethoven.

Activitățile lui Mikhail Pletnev sunt în mod constant marcate de premii înalte – el este laureat al premiilor de stat și internaționale, inclusiv premiile Grammy și Triumph. Abia în 2007, muzicianului i s-a acordat Premiul Președintelui Federației Ruse, Ordinul pentru Meritul Patriei, gradul III, Ordinul Daniel al Moscovei, acordat de Sanctitatea Sa Patriarhul Alexei al II-lea al Moscovei și al Întregii Rusii.