Dmitri Dmitrievici Şostakovici |

Dmitri Șostakovici

D. Șostakovici este un clasic al muzicii secolului al XNUMX-lea. Niciunul dintre marii săi stăpâni nu a fost atât de strâns legat de soarta dificilă a țării sale natale, nu a putut exprima contradicțiile strigăte ale timpului său cu atâta forță și pasiune, să o evalueze cu o judecată morală dură. În această complicitate a compozitorului la durerea și necazurile poporului său se află principala semnificație a contribuției sale la istoria muzicii în secolul războaielor mondiale și al grandioaselor răsturnări sociale, pe care omenirea nu le cunoștea înainte.

Șostakovici este prin natură un artist cu talent universal. Nu există un singur gen în care să nu-și fi spus cuvântul greu. A intrat în contact strâns cu genul de muzică care a fost uneori tratat cu aroganță de muzicieni serioși. El este autorul unui număr de cântece preluate de masele de oameni, iar până astăzi adaptările sale geniale ale muzicii populare și de jazz, de care îi plăcea în special la momentul formării stilului - în anii 20- 30 de ani, încântare. Dar principalul domeniu de aplicare al forțelor creatoare pentru el a fost simfonia. Nu pentru că alte genuri de muzică serioasă i-ar fi fost complet străine – el era înzestrat cu un talent de neîntrecut ca compozitor cu adevărat teatral, iar munca în cinematografie i-a oferit principalele mijloace de subzistență. Dar mustrarea grosolană și nedreaptă adusă în 1936 în editorialul ziarului Pravda la rubrica „Încurcătură în loc de muzică” l-a descurajat să se implice mult timp în genul de operă – încercările făcute (opera „Jucători” de N. Gogol) a rămas neterminată, iar planurile nu au trecut în stadiul de implementare.

Poate că tocmai asta au avut un efect asupra trăsăturilor de personalitate ale lui Șostakovici – prin natura lui nu era înclinat spre forme deschise de exprimare a protestului, el a cedat cu ușurință în fața neîncăpățânilor, datorită inteligenței sale speciale, delicateții și lipsei de apărare împotriva arbitrarului grosolan. Dar asta a fost doar în viață – în arta sa, el a fost fidel principiilor sale creative și le-a afirmat în genul în care se simțea complet liber. Prin urmare, simfonia conceptuală a devenit în centrul căutărilor lui Șostakovici, unde a putut spune deschis adevărul despre timpul său, fără compromisuri. Cu toate acestea, nu a refuzat să participe la întreprinderi artistice născute sub presiunea cerințelor stricte pentru artă impuse de sistemul de comandă-administrativ, precum filmul de M. Chiaureli „Căderea Berlinului”, unde laudele nestăpânite ale măreției. iar înțelepciunea „părintelui națiunilor” a ajuns la limita extremă. Dar participarea la acest gen de monumente cinematografice, sau la alte lucrări, uneori chiar talentate, care au denaturat adevărul istoric și au creat un mit plăcut conducerii politice, nu l-au protejat pe artist de represaliile brutale comise în 1948. Ideologul principal al regimului stalinist , A. Zhdanov, a repetat atacurile aspre cuprinse într-un articol vechi din ziarul Pravda și l-a acuzat pe compozitor, alături de alți maeștri ai muzicii sovietice ai vremii, de aderarea la formalismul anti-popor.

Ulterior, în timpul „dezghețului” Hrușciov, astfel de acuzații au fost renunțate și lucrările remarcabile ale compozitorului, a căror interpretare publică a fost interzisă, și-au găsit drumul către ascultător. Dar drama destinului personal al compozitorului, care a supraviețuit unei perioade de persecuții nedrepte, a lăsat o amprentă de neșters asupra personalității sale și a determinat direcția căutării sale creatoare, adresată problemelor morale ale existenței umane pe pământ. Acesta a fost și rămâne principalul lucru care îl distinge pe Shostakovich printre creatorii de muzică din secolul al XNUMX-lea.

Drumul său de viață nu a fost bogat în evenimente. După ce a absolvit Conservatorul din Leningrad cu un debut strălucit – magnifica Prima Simfonie, a început viața unui compozitor profesionist, mai întâi în orașul de pe Neva, apoi în timpul Marelui Război Patriotic de la Moscova. Activitatea sa de profesor la conservator a fost relativ scurtă – a părăsit-o împotriva voinței sale. Dar până astăzi, studenții săi au păstrat memoria marelui maestru, care a jucat un rol decisiv în formarea individualității lor creatoare. Deja în Prima Simfonie (1925), două proprietăți ale muzicii lui Șostakovici sunt clar perceptibile. Unul dintre ele s-a reflectat în formarea unui nou stil instrumental cu ușurința sa inerentă, ușurința concurenței instrumentelor de concert. Un altul s-a manifestat într-o dorință persistentă de a da muzicii cel mai înalt sens, de a dezvălui un concept profund de semnificație filosofică prin intermediul genului simfonic.

Multe dintre lucrările compozitorului care au urmat un început atât de strălucit reflectau atmosfera agitată a vremii, unde noul stil al epocii s-a făurit în lupta atitudinilor conflictuale. Așadar, în Simfoniile a doua și a treia („Octombrie” – 1927, „Ziua Mai” – 1929) Șostakovici a adus un omagiu posterului muzical, ei au arătat în mod clar influența artei marțiale, propagandistice a anilor 20. (Nu întâmplător compozitorul a inclus în ele fragmente corale la poezii ale tinerilor poeți A. Bezymensky și S. Kirsanov). În același timp, au arătat și o teatralitate vie, care a captivat atât de mult în producțiile lui E. Vakhtangov și Vs. Meyerhold. Spectacolele lor au influențat stilul primei opere a lui Șostakovici Nasul (1928), bazată pe faimoasa poveste a lui Gogol. De aici vine nu numai satira ascuțită, parodia, ajungând la grotesc în descrierea personajelor individuale și a credulii, panicați rapid și judecați rapid mulțimea, ci și acea intonație emoționantă a „râsului prin lacrimi”, care ne ajută să recunoaștem o persoană. chiar și într-o asemenea nonentitate vulgară și deliberată, ca Kovalev, maiorul lui Gogol.

Stilul lui Șostakovici nu numai că a absorbit influențele emanate din experiența culturii muzicale mondiale (aici cei mai importanți pentru compozitor au fost M. Mussorgsky, P. Ceaikovski și G. Mahler), dar a absorbit și sunetele vieții muzicale de atunci – care în general cultura accesibilă a genului „lumină” care a dominat mintea maselor. Atitudinea compozitorului față de aceasta este ambivalentă – exagerează uneori, parodiază întorsăturile caracteristice ale cântecelor și dansurilor la modă, dar în același timp le înnobilează, le ridică la culmile artei adevărate. Această atitudine a fost pronunțată mai ales în primele balete Epoca de aur (1930) și The Bolt (1931), în Primul Concert pentru pian (1933), unde trompeta solo devine un rival demn al pianului împreună cu orchestra, iar mai târziu în scherzo și finalul Simfoniilor a șasea (1939). Virtuozitatea strălucitoare, excentricii obrăznici sunt combinate în această compoziție cu versuri sincere, naturalețea uimitoare a desfășurării melodiei „nesfârșite” în prima parte a simfoniei.

Și, în sfârșit, nu se poate să nu menționăm și cealaltă latură a activității creative a tânărului compozitor – a muncit din greu și din greu în cinematograf, mai întâi ca ilustrator pentru demonstrația filmelor mute, apoi ca unul dintre creatorii filmelor sonore sovietice. Cântecul său din filmul „Oncoming” (1932) a câștigat popularitate la nivel național. În același timp, influența „tânărei muze” a afectat și stilul, limbajul și principiile compoziționale ale compozițiilor sale concert-filarmonice.

Dorința de a întruchipa cele mai acute conflicte ale lumii moderne cu răsturnările sale grandioase și ciocnirile aprige ale forțelor opuse s-a reflectat în special în lucrările capitale ale maestrului din perioada anilor '30. Un pas important pe această cale a fost opera Katerina Izmailova (1932), bazată pe intriga poveștii lui N. Leskov Lady Macbeth din districtul Mtsensk. În imaginea personajului principal, o luptă interioară complexă se dezvăluie în sufletul unei naturi întregi și bogat înzestrate în felul ei – sub jugul „urâciunilor de plumb ale vieții”, sub puterea orbului, neraționantului. pasiune, ea comite infracțiuni grave, urmate de pedeapsă crudă.

Cu toate acestea, compozitorul a obținut cel mai mare succes în Simfonia a cincea (1937), cea mai semnificativă și fundamentală realizare în dezvoltarea simfoniei sovietice în anii '30. (o întorsătură către o nouă calitate a stilului a fost conturată în Simfonia a IV-a scrisă mai devreme, dar apoi nu a sunat – 1936). Puterea Simfoniei a cincea constă în faptul că experiențele eroului său liric se dezvăluie în cea mai strânsă legătură cu viața oamenilor și, mai larg, a întregii omeniri în ajunul celui mai mare șoc trăit vreodată de popoarele din lume – al Doilea Război Mondial. Aceasta a determinat dramatismul accentuat al muzicii, expresia sporită inerentă a acesteia – eroul liric nu devine un contemplator pasiv în această simfonie, el judecă ce se întâmplă și ce urmează cu cea mai înaltă instanță morală. În indiferență față de soarta lumii, au afectat și poziția civică a artistului, orientarea umanistă a muzicii sale. Se simte într-o serie de alte lucrări aparținând genurilor de creativitate instrumentală de cameră, printre care se remarcă Cvintetul cu pian (1940).

În timpul Marelui Război Patriotic, Șostakovici a devenit unul dintre primele rânduri ale artiștilor - luptători împotriva fascismului. Simfonia a șaptea („Leningrad”) (1941) a fost percepută în întreaga lume ca o voce vie a unui popor luptător, care a intrat într-o luptă pe viață și pe moarte în numele dreptului la existență, în apărarea celui mai înalt nivel uman. valorile. În această lucrare, ca și în Simfonia a VIII-a ulterioară (1943), antagonismul celor două tabere opuse și-a găsit expresie directă, imediată. Niciodată în arta muzicii forțele răului nu au fost descrise atât de viu, niciodată mecanicitatea plictisitoare a unei „mașini de distrugere” fasciste care lucrează aglomerat nu a fost expusă cu atâta furie și pasiune. Dar simfoniile „militare” ale compozitorului (precum și într-o serie de alte lucrări ale sale, de exemplu, în Trioul cu pian în memoria lui I. Sollertinsky – 1944) sunt la fel de viu reprezentate în simfoniile „de război” ale compozitorului, cele spirituale. frumusețea și bogăția lumii interioare a unei persoane care suferă de necazurile timpului său.

În anii postbelici, activitatea creatoare a lui Șostakovici s-a desfășurat cu o vigoare reînnoită. Ca și până acum, linia principală a căutărilor sale artistice a fost prezentată în pânze simfonice monumentale. După a IX-a oarecum uşurată (1945), un fel de intermezzo, care însă nu a lipsit de ecouri clare ale războiului recent încheiat, compozitorul a creat inspirata Simfonie a X-a (1953), care a ridicat tema tragicii destin a artist, măsura înaltă a responsabilității sale în lumea modernă. Totuși, noul a fost în mare parte rodul eforturilor generațiilor anterioare – de aceea compozitorul a fost atât de atras de evenimentele unui punct de cotitură în istoria Rusiei. Revoluția din 1905, marcată de Duminica Sângeroasă pe 9 ianuarie, prinde viață în monumentala și programatică Simfonie a 1957-a (1917), iar realizările victoriosului 1961 l-au inspirat pe Shostakovich să creeze Simfonia a XII-a (XNUMX).

Reflecțiile asupra sensului istoriei, asupra semnificației faptelor eroilor săi, s-au reflectat și în poemul vocal-simfonic dintr-o singură parte „Execuția lui Stepan Razin” (1964), care se bazează pe un fragment din lucrarea lui E. Evtușenko. poezia „Centrala hidroelectrică Bratsk”. Însă evenimentele timpului nostru, cauzate de schimbări drastice în viața oamenilor și în viziunea lor asupra lumii, anunțate de cel de-al XX-lea Congres al PCUS, nu l-au lăsat indiferent pe marele maestru al muzicii sovietice – suflarea lor vie este palpabilă în secolul al XIII-lea. Symphony (1962), scrisă tot după cuvintele lui E. Yevtushenko. În Simfonia a Paisprezecea, compozitorul a apelat la poeziile poeților din diferite timpuri și popoare (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – a fost atras de tema trecătoarei vieții umane și a eternității creaţii de artă adevărată, în faţa căreia chiar moarte suverană. Aceeași temă a stat la baza ideii unui ciclu vocal-simfonic bazat pe poezii ale marelui artist italian Michelangelo Buonarroti (1974). Și în sfârșit, în ultima, Simfonia a cincisprezecea (1971), imaginile copilăriei prind din nou viață, recreate în fața privirii unui creator înțelept în viață, care a ajuns să cunoască o măsură cu adevărat incomensurabilă a suferinței umane.

Cu toată semnificația simfoniei în opera de după război a lui Șostakovici, ea departe de a epuiza toate cele mai semnificative care au fost create de compozitor în ultimii treizeci de ani ai vieții și ai drumului său creator. A acordat o atenție deosebită genurilor concertistice și instrumentale de cameră. A creat două concerte pentru vioară (2 și 1948), două concerte pentru violoncel (1967 și 1959) și al doilea Concert pentru pian (1966). Cele mai bune lucrări ale acestui gen întruchipează concepte profunde de semnificație filozofică, comparabile cu cele exprimate cu o forță atât de impresionantă în simfoniile sale. Ascuțimea ciocnirii dintre spiritual și nespiritual, cele mai înalte impulsuri ale geniului uman și atacul agresiv al vulgarității, primitivitatea deliberată sunt palpabile în al doilea Concert pentru violoncel, unde un motiv simplu, „de stradă” este transformat dincolo de recunoaștere, expunându-și esență inumană.

Cu toate acestea, atât în ​​concerte, cât și în muzica de cameră, virtuozitatea lui Șostakovici se dezvăluie în crearea de compoziții care deschid spațiu pentru concurență liberă între muzicieni. Aici principalul gen care a atras atenția maestrului a fost tradiționalul cvartet de coarde (sunt tot atâtea scrise de compozitor câte simfonii – 15). Cvartetele lui Șostakovici uimesc cu o varietate de soluții, de la cicluri cu mai multe părți (al 1966-lea – 1970) până la compoziții cu o singură mișcare (al treisprezecea – 1960). Într-o serie de lucrări de cameră (în Cvartetul al optulea – 1975, în Sonata pentru violă și pian – XNUMX), compozitorul revine la muzica compozițiilor sale anterioare, dându-i un sunet nou.

Dintre lucrările altor genuri, se pot aminti ciclul monumental de Preludii și fugi pentru pian (1951), inspirat de sărbătorile lui Bach de la Leipzig, oratoriul Cântecul pădurilor (1949), unde pentru prima dată în muzica sovietică a fost ridicată tema responsabilității umane pentru conservarea naturii din jurul său. De asemenea, puteți numi Zece poezii pentru cor a capella (1951), ciclul vocal „Din poezia populară evreiască” (1948), cicluri pe poezii ale poeților Sasha Cherny („Satire” – 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

Lucrările în cinematograf au continuat în anii postbelici – muzica lui Șostakovici pentru filmele „The Gadfly” (bazat pe romanul lui E. Voynich – 1955), precum și pentru adaptările tragediilor lui Shakespeare „Hamlet” (1964) și „Regele Lear” (1971) a devenit cunoscut pe scară largă. ).

Şostakovici a avut un impact semnificativ asupra dezvoltării muzicii sovietice. S-a exprimat nu atât în ​​influența directă a stilului maestrului și a mijloacelor artistice caracteristice lui, cât în ​​dorința de conținut înalt al muzicii, legătura acesteia cu problemele fundamentale ale vieții umane pe pământ. Umanistă în esența sa, cu adevărat artistică în formă, opera lui Șostakovici a câștigat recunoaștere mondială, a devenit o expresie clară a noului pe care muzica Țării Sovietelor l-a dat lumii.

M. Tarakanov