Lev Nikolaevici Vlasenko |

Lev Vlasenko

Există orașe cu merite deosebite înaintea lumii muzicale, de exemplu, Odesa. Câte nume strălucitoare au donat scenei de concert în anii de dinainte de război. Tbilisi, locul de naștere al lui Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze și alți alți muzicieni de seamă, are de ce să fie mândru. Lev Nikolaevich Vlasenko și-a început drumul artistic și în capitala Georgiei – un oraș cu tradiții artistice lungi și bogate.

Așa cum se întâmplă adesea cu viitorii muzicieni, prima sa profesoară a fost mama lui, care odată a predat singură la departamentul de pian al Conservatorului din Tbilisi. După ceva timp, Vlasenko merge la celebra profesoară georgiană Anastasia Davidovna Virsaladze, absolventă, studiind în clasa ei, o școală de muzică de zece ani, apoi primul an al conservatorului. Și, urmând calea multor talente, se mută la Moscova. Din 1948, se numără printre studenții lui Yakov Vladimirovich Flier.

Acești ani nu sunt ușori pentru el. Este student la două instituții de învățământ superior simultan: pe lângă conservator, Vlasenko studiază (și își finalizează studiile cu succes la timp) la Institutul de Limbi Străine; Pianistul vorbește fluent engleza, franceză, italiană. Și totuși tânărul are suficientă energie și putere pentru toate. La conservator, cântă din ce în ce mai mult la petrecerile studențești, numele său devine cunoscut în cercurile muzicale. Cu toate acestea, se așteaptă mai mult de la el. Într-adevăr, în 1956 Vlasenko a câștigat premiul I la Concursul Liszt de la Budapesta.

Doi ani mai târziu, participă din nou la concursul de muzicieni. De data aceasta, la domiciliul său din Moscova, la Primul Concurs Internațional Ceaikovski, pianistul a câștigat premiul II, lăsând în urmă doar Van Cliburn, care era atunci în floarea enormului său talent.

Vlasenko spune: „La scurt timp după ce am absolvit conservatorul, am fost recrutat în rândurile armatei sovietice. Aproximativ un an nu m-am atins de instrument – ​​am trăit cu cu totul alte gânduri, fapte, griji. Și, desigur, destul de nostalgic pentru muzică. Când am fost demobilizat, m-am pus pe treabă cu energie triplă. Aparent, în actoria mea exista atunci un fel de prospețime emoțională, forță artistică necheltuită, o sete de creativitate scenică. Întotdeauna ajută pe scenă: m-a ajutat și pe mine în acel moment.

Pianistul spune că i se punea întrebarea: la care dintre probe – la Budapesta sau la Moscova – i-a fost mai greu? „Desigur, la Moscova”, a răspuns el în astfel de cazuri, „Concursul Ceaikovski, la care am jucat, a avut loc pentru prima dată în țara noastră. în primul rând – asta spune totul. A stârnit un mare interes – a reunit cei mai importanți muzicieni, atât sovietici, cât și străini, în juriu, a atras cea mai largă audiență, a intrat în centrul atenției radioului, televiziunii și presei. A fost extrem de dificil și responsabil să cânt la această competiție – fiecare intrare la pian a meritat multă tensiune nervoasă…”

Victoriile la competiții muzicale de renume – și „aurul” câștigat de Vlasenko la Budapesta și „argintul” câștigat la Moscova au fost considerate victorii majore – i-au deschis ușile spre scena mare. El devine un concertist profesionist. Spectacolele sale atât acasă, cât și în alte țări atrag numeroși ascultători. Lui, însă, nu i se acordă doar semne de atenție ca muzician, proprietarul unor regalii valoroase laureate. Atitudinea față de el de la bun început este determinată diferit.

Sunt pe scenă, ca și în viață, naturi care se bucură de simpatia universală – directe, deschise, sincere. Vlasenko ca artist printre ei. Îl crezi mereu: dacă este pasionat de interpretarea unei opere, este atât de pasionat, entuziasmat – atât de entuziasmat; dacă nu, nu o poate ascunde. Așa-zisa artă a performanței nu este domeniul lui. El nu acționează și nu disimulează; motto-ul lui ar putea fi: „Spun ceea ce gândesc, exprim ceea ce simt.” Hemingway are cuvinte minunate cu care îl caracterizează pe unul dintre eroii săi: „Era cu adevărat, omenește, frumos din interior: zâmbetul lui venea chiar din inima sau din ceea ce se numește sufletul unei persoane și apoi vesel și deschis a venit la suprafața, adică a iluminat fața ” (Hemingway E. Dincolo de râu, la umbra copacilor. – M., 1961. S. 47.). Ascultându-l pe Vlasenko în cele mai bune momente ale lui, se întâmplă să vă amintiți aceste cuvinte.

Și încă un lucru impresionează publicul atunci când se întâlnește cu un pianist – scena lui sociabilitate. Sunt puțini dintre cei care se închid pe scenă, se retrag în ei înșiși de emoție? Alții sunt reci, reținuți de natură, asta se face simțit în arta lor: ei, după o expresie comună, nu sunt foarte „sociabili”, îl țin pe ascultător parcă la distanță de ei înșiși. Cu Vlasenko, datorită particularităților talentului său (fie artistic sau uman), este ușor, ca de la sine, să stabilești contactul cu publicul. Oamenii care îl ascultă pentru prima dată își exprimă uneori surpriza – impresia este că îl cunosc de mult și bine ca artist.

Cei care l-au cunoscut îndeaproape pe profesorul lui Vlasenko, profesorul Yakov Vladimirovici Flier, susțin că au multe în comun – un temperament pop strălucitor, generozitate a revărsărilor emoționale, o manieră îndrăzneață de a juca. Chiar a fost. Nu întâmplător, după ce a ajuns la Moscova, Vlasenko a devenit un student al lui Flier și unul dintre cei mai apropiați studenți; mai târziu relația lor a devenit prietenie. Cu toate acestea, rudenia naturii creative ale celor doi muzicieni era evidentă chiar și din repertoriul lor.

Vechii săli de concert își amintesc bine cum a strălucit cândva Flier în programele lui Liszt; există un tipar în faptul că Vlasenko și-a făcut debutul și cu lucrările lui Liszt (concurs în 1956 la Budapesta).

„Îmi place acest autor”, spune Lev Nikolaevici, „poza lui artistică mândră, patos nobil, toga spectaculoasă a romantismului, stilul de exprimare oratoric. S-a întâmplat că în muzica lui Liszt am reușit întotdeauna să mă regăsesc cu ușurință… Îmi amintesc că de mic o cântam cu deosebită plăcere.

Vlasenko, însă, nu numai început de la Liszt drumul către marea scenă a concertelor. Și astăzi, mulți ani mai târziu, lucrările acestui compozitor se află în centrul programelor sale – de la studii, rapsodii, transcrieri, piese din ciclul „Anii de rătăcire” până la sonate și alte lucrări de amploare. Așadar, un eveniment notabil în viața filarmonicii din Moscova în stagiunea 1986/1987 a fost interpretarea de către Vlasenko a ambelor concerte pentru pian, „Dansul morții” și „Fantasy on Hungarian Themes” de Liszt; acompaniat de o orchestră dirijată de M. Pletnev. (Această seară a fost dedicată aniversării a 175 de ani de la nașterea compozitorului.) Succesul la public a fost cu adevărat mare. Și nu e de mirare. Bravoare strălucitoare la pian, exaltare generală a tonului, „vorbire” tare, frescă, stil de joc puternic – toate acestea sunt adevăratul element al lui Vlasenko. Aici pianistul apare din partea cea mai avantajoasă pentru el însuși.

Există un alt autor care nu este mai puțin apropiat de Vlasenko, la fel cum același autor a fost apropiat de profesorul său, Rahmaninov. Pe afișele lui Vlasenko puteți vedea concerte pentru pian, preludii și alte piese Rahmaninov. Când un pianist este „pe ritm”, se pricepe cu adevărat la acest repertoriu: inundă publicul cu un amplu val de sentimente, „covârșește”, cum spunea unul dintre critici, cu pasiuni ascuțite și puternice. Deține cu măiestrie Vlasenko și timbre groase, „violoncel”, care joacă un rol atât de important în muzica pentru pian a lui Rachmaninov. Are mâini grele și moi: pictura sonoră cu „ulei” este mai aproape de natura sa decât „grafica” sonoră uscată; – s-ar putea spune, urmând analogia începută cu pictura, că o pensulă largă îi este mai convenabilă decât un creion ascuțit. Dar, probabil, principalul lucru în Vlasenko, din moment ce vorbim despre interpretările sale ale pieselor lui Rahmaninov, este că el capabil să îmbrățișeze forma muzicală în ansamblu. Îmbrățișează-ți liber și natural, fără a fi distras, poate, de niște lucruri mărunte; exact așa au evoluat, de altfel, Rahmaninov și Flier.

În cele din urmă, este compozitorul, care, potrivit lui Vlasenko, a devenit aproape cel mai apropiat de el de-a lungul anilor. Acesta este Beethoven. Într-adevăr, sonatele lui Beethoven, în primul rând Pathetique, Lunar, Second, Seventh, Appassionata, Bagatelles, variation cycles, Fantasia (Op. 77), au stat la baza repertoriului lui Vlasenko din anii șaptezeci și optzeci. Un detaliu interesant: nu se referă la el însuși ca un specialist în conversații îndelungate despre muzică - la cei care știu și iubesc să o interpreteze în cuvinte, Vlasenko, totuși, a vorbit de mai multe ori cu povești despre Beethoven la Televiziunea Centrală.

„Odată cu vârsta, găsesc în acest compozitor din ce în ce mai atractiv pentru mine”, spune pianistul. „De mult timp am avut un vis – să cânt un ciclu de cinci dintre concertele sale pentru pian.” Lev Nikolaevich și-a îndeplinit acest vis și excelent într-unul dintre ultimele sezoane.

Desigur, Vlasenko, așa cum ar trebui un interpret profesionist invitat, se îndreaptă către o mare varietate de muzică. Arsenalul său de interpretare include Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Ceaikovski, Scriabin, Prokofiev, Șostakovici... Cu toate acestea, succesul său în acest repertoriu, unde ceva este mai aproape de el și ceva mai departe, nu este același, nu este întotdeauna stabil și chiar. Cu toate acestea, nu ar trebui să fii surprins: Vlasenko are un stil de interpretare destul de definit, a cărui bază este o virtuozitate mare, măturatoare; el joacă cu adevărat ca un bărbat – puternic, clar și simplu. Undeva convinge, și complet, undeva nu deloc. Nu întâmplător, dacă aruncați o privire mai atentă la programele lui Vlasenko, veți observa că acesta îl abordează cu prudență pe Chopin...

Vorbind despre thо interpretat de artist, este imposibil să nu remarcăm cel mai de succes în programele sale din ultimii ani. Iată Sonata în si minor a lui Liszt și picturile-studii ale lui Rahmaninov, Sonata a treia a lui Scriabin și Sonata Ginastera, Imaginile lui Debussy și Insula Bucuriei, Rondo în mi bemol major de Hummel și Cordova lui Albeniz... Din 1988, afișele lui Vlasenko sunt a doua Sonata. BA Arapov, recent învăţat de el, precum şi Bagatelles, Op. 126 Beethoven, Preludii, Op. 11 și 12 Scriabin (și lucrări noi). În interpretările acestor și altor lucrări, probabil, trăsăturile stilului modern al lui Vlasenko sunt deosebit de clar vizibile: maturitatea și profunzimea gândirii artistice, combinate cu un sentiment muzical viu și puternic, care nu s-a estompat cu timpul.

Din 1952, Lev Nikolaevici predă. La început, la Școala Corală din Moscova, mai târziu la Școala Gnessin. Din 1957 se numără printre profesorii Conservatorului din Moscova; în clasa sa, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko și alți pianiști au primit un bilet pentru viața în scenă. M. Pletnev a studiat cu Vlasenko câțiva ani – în ultimul său an la conservator și ca stagiar asistent. Poate că acestea au fost cele mai strălucitoare și mai interesante pagini ale biografiei pedagogice a lui Lev Nikolaevici...

A preda înseamnă a răspunde constant la unele întrebări, a rezolva numeroase și neașteptate probleme pe care le pun viața, practica educațională și tineretul studențesc. De ce, de exemplu, ar trebui să se țină cont la selectarea unui repertoriu educațional și pedagogic? Cum construiești relații cu studenții? cum să conduci o lecție astfel încât să fie cât mai eficientă? Dar poate cea mai mare anxietate apare pentru orice profesor al conservatorului în legătură cu spectacolele publice ale elevilor săi. Iar tinerii muzicieni înșiși caută cu insistență un răspuns de la profesori: de ce este nevoie pentru succesul scenic? este posibil să o pregătim cumva, să o „oferim”? În același timp, adevăruri evidente – precum faptul că, spun ei, programul trebuie să fie suficient de învățat, tehnic „realizat” și că „totul trebuie să meargă și să iasă” – puțini oameni pot fi mulțumiți. Vlasenko știe că în astfel de cazuri se poate spune ceva cu adevărat util și necesar doar pe baza propriei experiențe. Doar dacă porniți de la experimentat și experimentat de el. De fapt, asta este exact ceea ce așteaptă de la el cei pe care îi învață. „Arta este experiența vieții personale, spusă în imagini, în senzații”, a scris AN Tolstoi, „ experiență personală care se pretinde a fi o generalizare» (Tolstykh VI Artă și morală. – M., 1973. S. 265, 266.). Arta de a preda, cu atât mai mult. Prin urmare, Lev Nikolaevich se referă de bunăvoie la propria sa practică de interpretare - atât în ​​clasă, în rândul studenților, cât și în conversații publice și interviuri:

„Pe scenă se întâmplă constant unele lucruri imprevizibile, inexplicabile. De exemplu, pot ajunge la sala de concert bine odihnit, pregătit pentru spectacol, încrezător în mine – iar clavierabend va trece fără prea mult entuziasm. Si invers. Pot să urc pe scenă într-o asemenea stare încât se pare că nu voi putea extrage o singură notă din instrument – ​​iar jocul va „pleca” brusc. Și totul va deveni ușor, plăcut... Ce se întâmplă aici? Nu stiu. Și probabil că nimeni nu știe.

Deși este ceva de prevăzut pentru a-ți facilita primele minute ale șederii pe scenă – și sunt cele mai dificile, neliniştite, nesigure… – cred că încă este posibil. Ceea ce contează, de exemplu, este însăși construcția programului, aspectul acestuia. Fiecare interpret știe cât de important este acest lucru – și tocmai în legătură cu problema bunăstării pop. În principiu, tind să încep un concert cu o piesă în care mă simt cât mai calm și încrezător. Când cânt, încerc să ascult cât mai atent sunetul pianului; se adaptează la acustica camerei. Pe scurt, mă străduiesc să intru pe deplin, să mă cufund în procesul de performanță, să devin interesat de ceea ce fac. Acesta este cel mai important lucru – să te interesezi, să te lași dus de cap, să te concentrezi pe deplin asupra jocului. Apoi entuziasmul începe să scadă treptat. Sau poate nu mai observi. De aici este deja un pas către starea creativă care se cere.

Vlasenko acordă o mare importanță tot ceea ce într-un fel sau altul precede un discurs public. „Îmi amintesc odată că vorbeam despre acest subiect cu minunata pianistă maghiară Annie Fischer. Are o rutină specială în ziua concertului. Ea nu mănâncă aproape nimic. Un ou fiert fara sare, si gata. Acest lucru o ajută să găsească pe scenă starea psihofiziologică necesară – nervos optimist, bucuros emoționat, poate chiar puțin exaltat. Apare acea subtilitate și claritate deosebită a sentimentelor, care este absolut necesară unui concertist.

Toate acestea, apropo, sunt ușor de explicat. Dacă o persoană este plină, de obicei tinde să cadă într-o stare de relaxare relaxată, nu-i așa? În sine, poate fi atât plăcut, cât și „confortabil”, dar nu este foarte potrivit pentru a cânta în fața unui public. Pentru că doar unul care este electrizat în interior, care are toate corzile sale spirituale vibrând tensionat, poate evoca un răspuns din partea publicului, îl poate împinge la empatie...

Prin urmare, uneori se întâmplă același lucru, așa cum am menționat deja mai sus. S-ar părea că totul este propice unei performanțe de succes: artistul se simte bine, este calm în interior, echilibrat, aproape încrezător în propriile abilități. Și concertul este incolor. Nu există curent emoțional. Și feedback-ul ascultătorului, desigur, de asemenea...

Pe scurt, este necesar să depanezi, să te gândești la rutina zilnică în ajunul spectacolului – în special, la dieta – este necesar.

Dar, desigur, aceasta este doar o parte a problemei. Mai degrabă externă. În linii mari, întreaga viață a unui artist – în mod ideal – ar trebui să fie de așa natură încât să fie mereu, în orice moment, gata să răspundă cu sufletul la sublimul, spiritualizat, poetic frumos. Probabil, nu este nevoie să demonstrăm că o persoană care este interesată de artă, care este pasionată de literatură, poezie, pictură, teatru, este mult mai dispusă la sentimente înalte decât o persoană obișnuită, ale cărei interese sunt concentrate în sferă. de obișnuit, material, cotidian.

Tinerii artiști aud adesea înainte de spectacole: „Nu te gândi la public! Intervine! Gândește-te pe scenă doar la ceea ce faci singur...”. Vlasenko spune despre asta: „Este ușor să sfătuiești…”. El este foarte conștient de complexitatea, ambiguitatea, dualitatea acestei situații:

„Există un public pentru mine personal în timpul unui spectacol? O observ? Da și nu. Pe de o parte, când intri complet în procesul de interpretare, parcă nu te gândești la public. Uiți complet de tot, cu excepția de ceea ce faci la tastatură. Și totuși... Fiecare muzician de concert are un anumit al șaselea simț – „un simț al publicului”, aș spune. Și, prin urmare, reacția celor care sunt în sală, atitudinea oamenilor față de tine și jocul tău, o simți constant.

Știi ce este cel mai important pentru mine în timpul unui concert? Și cel mai revelator? Tăcere. Căci totul poate fi organizat – atât publicitatea, cât și ocuparea spațiilor, și aplauze, flori, felicitări și așa mai departe, totul în afară de tăcere. Dacă sala a înghețat, și-a ținut respirația, înseamnă că ceva se întâmplă cu adevărat pe scenă – ceva semnificativ, incitant...

Când simt în timpul jocului că am captat atenția publicului, îmi dă o explozie uriașă de energie. Servește ca un fel de drog. Astfel de momente sunt o mare fericire pentru interpret, supremul viselor sale. Totuși, ca orice mare bucurie, acest lucru se întâmplă rar.

Se întâmplă ca Lev Nikolaevici să fie întrebat: crede el în inspirația scenă – el, un artist profesionist, pentru care a interpreta în fața publicului este, în esență, o meserie care a fost interpretată în mod regulat, pe scară largă, de mulți ani... „De desigur, cuvântul „inspirație” în sine » uzat complet, ștampilat, uzat din cauza utilizării frecvente. Cu toate acestea, credeți-mă, fiecare artist este gata să se roage aproape pentru inspirație. Sentimentul de aici este unic: ca și cum ai fi autorul muzicii interpretate; ca și cum totul în ea ar fi fost creat chiar de tine. Și câte lucruri noi, neașteptate, cu adevărat reușite se nasc în astfel de momente pe scenă! Și literalmente în orice – în colorarea sunetului, frazarea, în nuanțe ritmice etc.

Voi spune asta: este foarte posibil să susțin un concert bun, solid din punct de vedere profesional, chiar și în absența inspirației. Există o mulțime de astfel de cazuri. Dar dacă inspirația vine la artist, concertul poate deveni de neuitat…”

După cum știți, nu există modalități sigure de a evoca inspirația pe scenă. Dar este posibil să se creeze condiții care, în orice caz, i-ar fi favorabile, ar pregăti terenul potrivit, crede Lev Nikolayevich.

„În primul rând, o nuanță psihologică este importantă aici. Trebuie să știi și să crezi: ce poți face tu pe scenă, nimeni altcineva nu va face. Să nu fie așa peste tot, ci doar într-un anumit repertoriu, în lucrările unuia sau a doi sau trei autori – nu contează, nu asta e rostul. Principalul lucru, repet, este sentimentul în sine: în felul în care joci tu, celălalt nu va juca. El, acest „celălalt” imaginar poate avea o tehnică mai puternică, un repertoriu mai bogat, o experiență mai vastă – orice. Dar el, totuși, nu va cânta fraza așa cum o faci tu, nu va găsi o nuanță de sunet atât de interesantă și subtilă...

Sentimentul despre care vorbesc acum trebuie să fie familiar unui muzician de concert. Inspiră, ridică, ajută în momentele dificile de pe scenă.

Mă gândesc adesea la profesorul meu Yakov Vladimirovich Flier. Întotdeauna a încercat să înveselească studenții – i-a făcut să creadă în ei înșiși. În momentele de îndoială, când nu totul a mers bine cu noi, ne-a insuflat cumva spirit bun, optimism și o bună dispoziție creativă. Și asta ne-a adus nouă, elevilor clasei sale, un beneficiu neîndoielnic.

Cred că aproape fiecare artist care cântă pe o scenă mare de concert este convins în adâncul sufletului că cântă puțin mai bine decât alții. Sau, în orice caz, poate că este capabil să joace mai bine… Și nu este nevoie să dai vina pe nimeni pentru asta – există un motiv pentru această autoajustare.

… În 1988, un mare festival internațional de muzică a avut loc la Santander (Spania). A atras o atenție deosebită a publicului – printre participanți s-au numărat I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy și alți artiști importanți europeni și de peste mări. Concertele lui Lev Nikolaevich Vlasenko au avut loc cu un real succes în cadrul acestui festival muzical. Criticii au vorbit cu admirație despre talentul, priceperea, capacitatea sa fericită de a „se lasa dus și captiva…” Spectacolele din Spania, ca și celelalte turnee ale lui Vlasenko din a doua jumătate a anilor optzeci, au confirmat în mod convingător că interesul pentru arta lui nu s-a stins. El se află încă într-un loc proeminent în viața modernă de concert, sovietică și străină. Dar să păstrezi acest loc este mult mai dificil decât să-l câștigi.

G. Tsypin, 1990