Lev Nikolaevici Oborin |

Lev Oborin

Lev Nikolaevici Oborin a fost primul artist sovietic care a câștigat prima victorie din istoria artelor spectacolului muzical sovietic la un concurs internațional (Varșovia, 1927, Concursul Chopin). Astăzi, când rândurile câștigătorilor diferitelor turnee muzicale mărșăluiesc unul după altul, când în ele apar constant nume și chipuri noi, cu care „nu există numere”, este greu să apreciezi pe deplin ceea ce a făcut Oborin în urmă cu 85 de ani. A fost un triumf, o senzație, o ispravă. Descoperitorii sunt întotdeauna înconjurați de onoare – în explorarea spațiului, în știință, în afacerile publice; Oborin a deschis drumul pe care l-au urmat cu strălucire J. Flier, E. Gilels, J. Zak și mulți alții. Câștigarea premiului I într-o competiție de creație serioasă este întotdeauna dificilă; în 1927, în atmosfera de rea-voință care predomina în Polonia burgheză în raport cu artiștii sovietici, Oborin a fost dublu, triplu dificil. Nu și-a datorat victoria unei întâmplări sau altceva – i-a datorat-o exclusiv lui însuși, talentului său mare și extrem de fermecător.

• Muzică de pian în magazinul online Ozon →

Oborin s-a născut la Moscova, în familia unui inginer de căi ferate. Mamei băiatului, Nina Viktorovna, îi plăcea să petreacă timpul la pian, iar tatăl său, Nikolai Nikolaevich, era un mare iubitor de muzică. Din când în când, la Oborins erau aranjate concerte improvizate: unul dintre invitați a cântat sau a cântat, Nikolai Nikolayevich în astfel de cazuri a acționat de bunăvoie ca acompaniator.

Prima profesoară a viitoarei pianiste a fost Elena Fabianovna Gnesina, cunoscută în cercurile muzicale. Mai târziu, la conservator, Oborin a studiat cu Konstantin Nikolaevich Igumnov. „A fost o natură profundă, complexă, deosebită. În unele privințe, este unic. Cred că încercările de a caracteriza individualitatea artistică a lui Igumnov cu ajutorul unuia sau doi termeni sau definiții – fie că este vorba de „voritor” sau altceva de același fel – sunt în general sortite eșecului. (Iar tinerii Conservatorului, care îl cunosc pe Igumnov doar din înregistrări individuale și din mărturii orale individuale, sunt uneori înclinați către astfel de definiții.)

Să spun adevărul, – a continuat povestea despre profesorul său Oborin, – Igumnov nu a fost întotdeauna egal, ca pianist. Poate cel mai bine a jucat acasă, în cercul celor dragi. Aici, într-un mediu familiar, confortabil, s-a simțit în largul său și în largul său. Cânta muzică în astfel de momente cu inspirație, cu entuziasm autentic. În plus, acasă, pe instrumentul său, totul i-a „ieșit” mereu. În conservator, în sala de clasă, unde uneori se aduna foarte multă lume (studenți, oaspeți…), el „respira” la pian nu mai e așa de liber. Aici a jucat destul de mult, deși, sincer să fiu, nu a reușit întotdeauna și nu întotdeauna la fel de bine. Igumnov obișnuia să arate lucrarea studiată cu studentul nu de la început până la sfârșit, ci pe părți, fragmente (cele care erau în prezent în lucru). În ceea ce privește discursurile sale către publicul larg, nu a fost niciodată posibil să prezicem dinainte ce era menită să devină această performanță.

Au fost clavirabend-uri uimitoare, de neuitat, spiritualizate de la prima până la ultima notă, marcate de cea mai subtilă pătrundere în sufletul muzicii. Și alături de ei au fost performanțe inegale. Totul depindea de minut, de starea de spirit, de dacă Konstantin Nikolayevich a reușit să-și controleze nervii, să-și învingă entuziasmul.

Contactele cu Igumnov au însemnat mult în viața creativă a lui Oborin. Dar nu numai ei. Tânărul muzician a fost în general, după cum se spune, „norocos” cu profesorii. Printre mentorii săi de la conservator a fost Nikolai Yakovlevich Myaskovsky, de la care tânărul a luat lecții de compoziție. Oborin nu trebuia să devină compozitor profesionist; viața de mai târziu pur și simplu nu i-a lăsat o astfel de oportunitate. Cu toate acestea, studiile creative la momentul studiului i-au dat foarte mult celebrului pianist – el a subliniat acest lucru de mai multe ori. „Viața s-a dovedit în așa fel”, a spus el, încât până la urmă s-a întâmplat să devin artist și profesor, și nu compozitor. Totuși, reînviându-mi acum anii tineri în memorie, mă întreb adesea cât de benefice și utile au fost atunci pentru mine aceste încercări de a compune. Ideea nu este doar că „experimentând” la tastatură, mi-am aprofundat înțelegerea proprietăților expresive ale pianului, ci creând și exersând singur diverse combinații de texturi, în general, am progresat ca pianist. Apropo, a trebuit să studiez mult – să nu învăț piesele mele, așa cum Rahmaninov, de exemplu, nu le-a învățat, nu am putut…

Și totuși, principalul lucru este diferit. Când, lăsând deoparte manuscrisele mele, am preluat muzica altora, lucrările altor autori, forma și structura acestor lucrări, structura lor internă și însăși organizarea materialului sonor mi-au devenit oarecum mult mai clare. Am observat că atunci am început să aprofundez în sensul transformărilor complexe de intonație-armonică, logica dezvoltării ideilor melodice etc., într-un mod mult mai conștient. crearea muzicii mi-a oferit mie, interpretul, servicii de neprețuit.

Îmi vine adesea în minte un incident curios din viața mea”, a încheiat Oborin conversația despre beneficiile compoziției pentru artiști. „La începutul anilor treizeci am fost invitat să-l vizitez pe Alexei Maksimovici Gorki. Trebuie să spun că lui Gorki îi plăcea foarte mult muzică și o simțea subtil. Firește, la cererea proprietarului, a trebuit să mă așez la instrument. Am jucat apoi mult și, se pare, cu mare entuziasm. Aleksey Maksimovici a ascultat cu atenție, sprijinindu-și bărbia pe palma și nu-și lua niciodată ochii inteligenți și amabili de la mine. În mod neașteptat, a întrebat: „Spune-mi, Lev Nikolaevici, de ce nu compui tu muzică?” Nu, răspund, îmi plăcea înainte, dar acum nu mai am timp – călătorii, concerte, studenți… „Este păcat, păcat”, spune Gorki, „dacă darul unui compozitor este deja inerent. în tine prin natura, trebuie protejat – este o valoare uriașă. Da, și în performanță, probabil, te-ar ajuta foarte mult... ”Îmi amintesc că eu, un tânăr muzician, am fost profund impresionat de aceste cuvinte. Nu spune nimic – cu înțelepciune! El, un om atât de departe de muzică, a înțeles atât de repede și corect esența problemei - interpret-compozitor".

Întâlnirea cu Gorki a fost doar una dintr-o serie de multe întâlniri și cunoștințe interesante care l-au avut pe Oborin în anii XNUMX și XNUMX. În acel moment era în strânsă legătură cu Șostakovici, Prokofiev, Șebalin, Khachaturian, Sofronitsky, Kozlovsky. Era aproape de lumea teatrului – de Meyerhold, de „MKhAT”, și mai ales de Moskvin; cu unii dintre cei numiți mai sus, avea o prietenie puternică. Ulterior, când Oborin devine un maestru renumit, critica va scrie cu admirație despre cultura internă, invariabil inerent jocului său, că în el poți simți farmecul inteligenței în viață și pe scenă. Oborin îi datora asta tinereții fericite formate: familie, profesori, colegi; odată într-o conversație, a spus că a avut un „mediu nutritiv” excelent în anii săi mai tineri.

În 1926, Oborin a absolvit în mod strălucit Conservatorul din Moscova. Numele său a fost gravat în aur pe celebra Tablă de Onoare din marmură care împodobește foaierul Sălii Mici a Conservatorului. Acest lucru s-a întâmplat în primăvară, iar în decembrie același an, a fost primit la Moscova un prospect pentru Primul Concurs Internațional de Pian Chopin de la Varșovia. Au fost invitați muzicieni din URSS. Problema era că practic nu mai era timp să se pregătească pentru competiție. „Cu trei săptămâni înainte de începerea competiției, Igumnov mi-a arătat programul competiției”, și-a amintit mai târziu Oborin. „Repertoriul meu a cuprins aproximativ o treime din programul de concurs obligatoriu. Antrenamentul în astfel de condiții părea inutil.” Cu toate acestea, a început să se pregătească: Igumnov a insistat și unul dintre cei mai autoriți muzicieni ai acelei vremuri, BL Yavorsky, a cărui părere Oborin o considera la cel mai înalt grad. „Dacă vrei cu adevărat, atunci poți vorbi”, i-a spus Yavorsky lui Oborin. Și a crezut.

La Varșovia, Oborin s-a arătat extrem de bine. I s-a acordat în unanimitate premiul I. Presa străină, neascunzându-și surprinderea (s-a spus deja mai sus: era 1927), a vorbit cu entuziasm despre prestația muzicianului sovietic. Cunoscutul compozitor polonez Karol Szymanowski, dând o evaluare a performanței lui Oborin, a rostit cuvintele pe care ziarele din multe țări ale lumii le-au ocolit la un moment dat: „Un fenomen! Nu este un păcat să te închini lui, pentru că el creează Frumusețea.

Întors de la Varșovia, Oborin începe o activitate de concert activă. Este în creștere: geografia turneelor ​​sale se extinde, numărul spectacolelor crește (trebuie abandonată compoziția – nu este suficient timp sau energie). Opera concertistică a lui Oborin s-a dezvoltat mai ales în anii postbelici: pe lângă Uniunea Sovietică, cântă în SUA, Franța, Belgia, Marea Britanie, Japonia și în multe alte țări. Doar boala întrerupe acest flux non-stop și rapid de tururi.

… Cei care își amintesc de pianistul din vremea anilor treizeci vorbesc în unanimitate despre farmecul rar al jocului său – lipsit de artă, plin de prospețime tinerească și imediate a sentimentelor. IS Kozlovsky, vorbind despre tânărul Oborin, scrie că a lovit cu „lirism, farmec, căldură umană, un fel de strălucire”. Cuvântul „strălucire” atrage atenția aici: expresiv, pitoresc și figurativ, ajută la înțelegerea mult în înfățișarea unui muzician.

Și încă unul mituit în ea - simplitatea. Poate că școala Igumnov a avut efect, poate trăsăturile firii lui Oborin, alcătuirea personajului său (cel mai probabil ambele), – doar că era în el, ca artist, o claritate uimitoare, lejeritate, integritate, armonie interioară. Acest lucru a făcut o impresie aproape irezistibilă asupra publicului larg, dar și asupra colegilor pianistului. În Oborin, pianistul, ei au simțit ceva ce se întorcea la tradițiile îndepărtate și glorioase ale artei ruse – au determinat foarte mult în stilul său de concert.

Un loc mare în programele sale a fost ocupat de lucrările autorilor ruși. A cântat minunat Cele patru anotimpuri, Primul Concert pentru pian al lui Dumka și Ceaikovski. Se puteau auzi adesea Tablourile lui Musorgski la o expoziție, precum și lucrările lui Rahmaninov – al doilea și al treilea concert pentru pian, preludii, studii-picturi, momente muzicale. Este imposibil să nu ne amintim, atingând această parte a repertoriului lui Oborin și interpretarea sa încântătoare din „Mica suită” a lui Borodin, Variațiunile lui Lyadov pe o temă de Glinka, Concertul pentru pian și orchestră, op. 70 A. Rubinstein. A fost un artist cu adevărat rusesc – prin caracter, înfățișare, atitudine, gusturi artistice și afecțiuni. Era pur și simplu imposibil să nu simți toate acestea în arta lui.

Și încă un autor trebuie numit atunci când vorbim despre repertoriul lui Oborin – Chopin. Și-a cântat muzica de la primii pași pe scenă și până la sfârșitul zilelor sale; el a scris odată într-unul dintre articolele sale: „Sentimentul de bucurie pe care îl au pianiștii Chopin nu mă părăsește niciodată”. Este greu să ne amintim tot ce a cântat Oborin în programele sale Chopin – studii, preludii, valsuri, nocturne, mazurke, sonate, concerte și multe altele. E greu de enumerat acea a jucat, este și mai greu să dai o performanță astăzi, as el a făcut-o. „Chopinul său – limpede și strălucitor – a captat nedivizat orice public”, a admirat J. Flier. Nu este o coincidență, desigur, că Oborin a cunoscut primul și cel mai mare triumf creativ din viața sa la un concurs dedicat memoriei marelui compozitor polonez.

… În 1953, a avut loc prima reprezentație a duetului Oborin – Oistrakh. Câțiva ani mai târziu, s-a născut un trio: Oborin – Oistrakh – Knushevitsky. De atunci, Oborin a devenit cunoscut în lumea muzicală nu doar ca solist, ci și ca jucător de ansamblu de primă clasă. De mic a iubit muzica de cameră (chiar înainte de a-și întâlni viitorii parteneri, a cântat într-un duet cu D. Tsyganov, a cântat împreună cu Cvartetul Beethoven). Într-adevăr, unele trăsături ale naturii artistice a lui Oborin – flexibilitatea interpretativă, sensibilitatea, capacitatea de a stabili rapid contacte creative, versatilitatea stilistică – l-au făcut un membru indispensabil al duetelor și triourilor. Din contul lui Oborin, Oistrakh și Knushevitsky, a existat o cantitate uriașă de muzică reluată de ei - lucrări ale unor clasici, romantici, autori moderni. Dacă vorbim despre realizările lor de vârf, atunci nu putem să nu numim sonata pentru violoncel Rachmaninoff interpretată de Oborin și Knushevitsky, precum și toate cele zece sonate Beethoven pentru vioară și pian, interpretate la un moment dat de Oborin și Oistrakh. Aceste sonate au fost interpretate, în special, în 1962 la Paris, unde artiștii sovietici au fost invitați de o cunoscută casă de discuri franceză. În decurs de o lună și jumătate, și-au surprins performanța pe discuri și, de asemenea, – într-o serie de concerte – l-au prezentat publicului francez. A fost o perioadă dificilă pentru ilustrul duo. „Am muncit din greu și din greu”, a spus mai târziu DF Oistrakh, „nu am mers nicăieri, ne-am abținut de la plimbări tentante prin oraș, refuzând numeroase invitații ospitaliere. Revenind la muzica lui Beethoven, am vrut să regândesc încă o dată planul general al sonatelor (ceea ce contează!) și să retrăiesc fiecare detaliu. Dar este puțin probabil ca publicul, după ce ne-a vizitat concertele, să aibă mai multă plăcere decât noi. Ne bucuram în fiecare seară când cântam sonate de pe scenă, eram infinit de fericiți, ascultând muzica în liniștea studioului, unde s-au creat toate condițiile pentru asta.”

Alături de toate celelalte, a predat și Oborin. Din 1931 până în ultimele zile ale vieții sale, a condus o clasă aglomerată la Conservatorul din Moscova – a crescut mai mult de o duzină de studenți, printre care se pot numi mulți pianiști celebri. De regulă, Oborin a făcut un turneu activ: a călătorit în diferite orașe ale țării, a petrecut mult timp în străinătate. S-a întâmplat ca întâlnirile lui cu studenții să nu fie prea dese, nu întotdeauna sistematice și regulate. Aceasta, desigur, nu putea decât să lase o anumită amprentă asupra orelor din clasa sa. Aici nu trebuia să se bazeze pe îngrijirea pedagogică cotidiană, grijulie; la multe lucruri, „Oborinții” au trebuit să afle singuri. Au existat, se pare, într-o astfel de situație educațională atât plusurile, cât și minusurile lor. Acum este vorba despre altceva. Întâlniri rare cu profesorul cumva mai ales foarte valoros animalele lui de companie – asta aș dori să subliniez. Erau apreciați, poate, mai mult decât în ​​clasele altor profesori (chiar dacă nu erau mai puțin eminenți și meritați, dar mai „casnici”). Aceste întâlniri-lecții cu Oborin au fost un eveniment; le-a pregătit cu grijă deosebită, i-a așteptat, s-a întâmplat, aproape ca într-o vacanță. Este greu de spus dacă a existat o diferență fundamentală pentru un elev al lui Lev Nikolaevici în interpretarea, să zicem, în Sala Mică a Conservatorului la oricare dintre serile studențești sau în interpretarea unei piese noi pentru profesorul său, învățată în absența lui. Acest sentiment sporit Răspundere înainte de spectacolul din clasă era un fel de stimulent – ​​puternic și foarte specific – în orele cu Oborin. A hotărât mult în activitatea de psihologie și educație a secțiilor sale, în relația cu profesorul.

Nu există nicio îndoială că unul dintre principalii parametri după care se poate și ar trebui să judece succesul predării este legat de autoritate profesor, o măsură a prestigiului său profesional în ochii elevilor, gradul de influență emoțională și volitivă asupra elevilor săi. Autoritatea lui Oborin în clasă era incontestabil mare, iar influența sa asupra tinerilor pianiști a fost excepțional de puternică; numai aceasta a fost suficientă pentru a vorbi despre el ca pe o figură pedagogică majoră. Oamenii care au comunicat îndeaproape cu el își amintesc că câteva cuvinte aruncate de Lev Nikolaevici s-au dovedit a fi uneori mai importante și mai semnificative decât alte discursuri cele mai magnifice și înflorate.

Câteva cuvinte, trebuie spus, erau în general de preferat lui Oborin decât monologuri pedagogice lungi. Mai degrabă puțin închis decât exagerat de sociabil, a fost întotdeauna mai degrabă laconic, zgârcit cu declarațiile. Tot felul de digresiuni literare, analogii și paralele, comparații colorate și metafore poetice – toate acestea au fost mai degrabă excepția în lecțiile sale decât regula. Vorbind despre muzică în sine – caracterul ei, imaginile, conținutul ideologic și artistic – el a fost extrem de concis, precis și strict în expresii. Niciodată nu a existat nimic de prisos, opțional, care să ducă departe în declarațiile lui. Există un fel special de elocvență: să spui doar ceea ce este relevant și nimic mai mult; în acest sens, Oborin a fost cu adevărat elocvent.

Lev Nikolaevici a fost deosebit de scurt la repetiții, cu o zi sau două înainte de spectacol, viitorul elev al clasei sale. „Mi-e teamă să dezorientez studentul”, a spus el odată, „măcar într-un fel pentru a-i zdruncina credința în conceptul stabilit, mi-e teamă să „spăiesc” sentimentul plin de viață. După părerea mea, cel mai bine este ca un profesor din perioada pre-concert să nu predea, să nu instruiască un tânăr muzician din nou și din nou, ci pur și simplu să-l susțină, să-l înveselească…”

Un alt moment caracteristic. Instrucțiunile și remarcile pedagogice ale lui Oborin, întotdeauna specifice și intenționate, erau de obicei adresate a ceea ce era legat de practic partea în pianism. Cu performanță ca atare. Cum, de exemplu, să joci cutare sau cutare loc dificil, simplificându-l cât mai mult posibil, ușurând din punct de vedere tehnic; ce degetare ar putea fi cea mai potrivită aici; ce poziție a degetelor, mâinilor și corpului ar fi cea mai convenabilă și potrivită; ce senzații tactile ar duce la sunetul dorit etc. – acestea și întrebări similare au ajuns cel mai adesea în prim-planul lecției lui Oborin, determinându-i constructivitatea deosebită, conținutul „tehnologic” bogat.

Excepțional de important a fost pentru studenți că tot ceea ce a vorbit Oborin a fost „furnizat” – ca un fel de rezervă de aur – de vasta sa experiență interpretativă profesională, bazată pe cunoașterea celor mai intime secrete ale „meșteșugului” pianistic.

Cum, să zicem, să interpretezi o piesă cu așteptarea sunetului ei viitor în sala de concert? Cum se corectează producția de sunet, nuanțarea, pedalarea etc. în acest sens? Sfaturi și recomandări de acest fel au venit de la maestru, de multe ori și, cel mai important, personal care a testat totul în practică. A fost un caz când, la una dintre lecțiile care au avut loc la casa lui Oborin, unul dintre elevii săi a interpretat Prima baladă a lui Chopin. „Ei bine, nu e rău”, a rezumat Lev Nikolaevici, după ce a ascultat lucrarea de la început până la sfârșit, ca de obicei. „Dar această muzică sună prea camerală, aș spune chiar „ca o cameră”. Și vei cânta în Sala Mică... Ai uitat de asta? Vă rugăm să începeți din nou și să luați în considerare acest lucru…”

Acest episod aduce în minte, de altfel, una dintre instrucțiunile lui Oborin, care a fost repetat în repetate rânduri elevilor săi: un pianist care cântă de pe scenă trebuie să aibă o „mustrare” clară, inteligibilă, foarte articulată – „dicție interpretativă bine plasată”, după cum a spus Lev Nikolaevici la una dintre clase. Și prin urmare: „Mai în relief, mai mare, mai definit”, cerea el adesea la repetiții. „Un vorbitor care vorbește de pe podium va vorbi altfel decât față în față cu interlocutorul său. Același lucru este valabil și pentru un pianist concertist care cântă în public. Întreaga sală ar trebui să audă, și nu doar primele rânduri de tarabe.

Poate cel mai puternic instrument din arsenalul lui Oborin, profesorul a fost mult timp Arăta (ilustrare) pe instrument; abia în ultimii ani, din cauza bolii, Lev Nikolaevich a început să se apropie de pian mai rar. În ceea ce privește prioritatea sa „de lucru”, în ceea ce privește eficacitatea, metoda de afișare, s-ar putea spune, a excelat în comparație cu cea explicativă verbală. Și nici măcar o demonstrație specifică la tastatură a uneia sau alteia tehnici interpretative i-a ajutat pe „Oborinți” în munca lor despre sunet, tehnică, pedalare etc. Spectacole-ilustrări ale profesorului, un exemplu viu și apropiat al performanței sale – toate acestea purtate cu e ceva mai substanțial. Cântând Lev Nikolaevich la al doilea instrument inspirat tinerețea muzicală, le-a deschis orizonturi și perspective noi, necunoscute până atunci în pianism, le-a permis să respire aroma incitantă a unei mari scene de concert. Acest joc a trezit uneori ceva asemănător cu „invidia albă”: la urma urmei, se dovedește că as и acea se poate face la pian... Odinioară, prezentarea uneia sau a alteia lucrări la pianul Oborinsky aducea claritate în cele mai dificile situații de interpretat de către elev, tăia cele mai complicate „noduri gordiene”. În memoriile lui Leopold Auer despre profesorul său, minunatul violonist maghiar J. Joachim, există rânduri: so!” însoțită de un zâmbet liniștitor.” (Auer L. Școala mea de a cânta la vioară. – M., 1965. S. 38-39.). Scene similare au avut loc adesea în clasa Oborinsky. A fost jucat un episod complex din punct de vedere pianistic, a fost afișat un „standard” și apoi a fost adăugat un rezumat de două sau trei cuvinte: „După părerea mea, deci...”

… Deci, ce a predat Oborin în cele din urmă? Care a fost „credo” lui pedagogic? Care a fost centrul activității sale creatoare?

Oborin le-a prezentat elevilor săi o transmitere veridică, realistă, convingătoare din punct de vedere psihologic a conținutului figurativ și poetic al muzicii; acesta a fost alfa și omega învățăturii sale. Lev Nikolaevici ar putea vorbi despre diferite lucruri în lecțiile sale, dar toate acestea au condus în cele din urmă la un singur lucru: să-l ajute pe elev să înțeleagă esența cea mai interioară a intenției compozitorului, să o realizeze cu mintea și inima, să intre în „co-authorship”. ” cu creatorul muzical, pentru a-și întruchipa ideile cu maximă convingere și persuasivitate. „Cu cât interpretul îl înțelege mai deplin și mai profund pe autor, cu atât este mai mare șansa ca în viitor să-l creadă pe interpretul însuși”, și-a exprimat în repetate rânduri punctul de vedere, variind uneori formularea acestui gând, dar nu și esența acestuia.

Ei bine, a înțelege autorul – și aici Lev Nikolaevici a vorbit în deplin acord cu școala care l-a crescut, cu Igumnov – a însemnat în clasa Oborinsky să descifreze cât mai atent textul lucrării, să-l „epuizeze” complet și să partea de jos, pentru a dezvălui nu numai principalul lucru în notația muzicală, ci și cele mai subtile nuanțe ale gândirii compozitorului, fixate în ea. „Muzica, înfățișată prin semne pe hârtie muzicală, este o frumusețe adormită, încă trebuie dezamăgită”, a spus el odată într-un cerc de studenți. În ceea ce privește acuratețea textuală, cerințele lui Lev Nikolaevici pentru elevii săi erau cele mai stricte, ca să nu spunem pedante: nimic aproximativ în joc, făcut în grabă, „în general”, fără minuțiozitatea și acuratețea corespunzătoare, nu a fost iertat. „Cel mai bun jucător este cel care transmite textul mai clar și mai logic”, aceste cuvinte (sunt atribuite lui L. Godovsky) ar putea servi ca o epigrafă excelentă pentru multe dintre lecțiile lui Oborin. Orice păcate împotriva autorului – nu numai împotriva spiritului, ci și împotriva literelor operelor interpretate – au fost privite aici ca ceva șocant, ca proaste maniere ale unui interpret. Cu toată înfățișarea sa, Lev Nikolaevich și-a exprimat nemulțumirea extremă în astfel de situații...

Nici un singur detaliu texturat aparent nesemnificativ, nici un singur ecou ascuns, o notă neclară etc., nu i-a scăpat ochiului ager din punct de vedere profesional. Evidențiați cu atenție auditivă toate и toate într-o operă interpretată, a predat Oborin, esența este să „recunoaștem”, să înțelegem o anumită operă. „Pentru un muzician auzi - mijloace înţelege„, – a picat într-una dintre lecții.

Fără îndoială că a apreciat manifestările de individualitate și independență creativă la tinerii pianiști, dar numai în măsura în care aceste calități au contribuit la identificarea regularităţi obiective compoziții muzicale.

În consecință, au fost determinate cerințele lui Lev Nikolaevich pentru jocul studenților. Muzician de un gust strict, s-ar putea spune, purist, oarecum academic pe vremea anilor cincizeci și șaizeci, s-a opus hotărât arbitrariului subiectivist în interpretare. Tot ceea ce era excesiv de captivant în interpretările tinerilor săi colegi, pretinzând a fi neobișnuit, șocant prin originalitate exterioară, nu era lipsit de prejudecăți și prudență. Așadar, odată vorbit despre problemele creativității artistice, Oborin și-a amintit de A. Kramskoy, fiind de acord cu el că „originalitatea în artă de la primii pași este întotdeauna oarecum suspectă și indică mai degrabă îngustime și limitare decât un talent larg și versatil. O fire profundă și sensibilă la început nu poate decât să se lase dusă de tot ce s-a făcut bine înainte; astfel de naturi imită...”

Cu alte cuvinte, ceea ce Oborin a căutat de la elevii săi, dorind să audă în jocul lor, putea fi caracterizat prin: simplu, modest, firesc, sincer, poetic. Exaltarea spirituală, exprimarea oarecum exagerată în procesul de a face muzică - toate acestea l-au zguduit de obicei pe Lev Nikolaevici. El însuși, după cum s-a spus, atât în ​​viață, cât și pe scenă, la instrument, era reținut, echilibrat în sentimente; aproximativ același „grad” emoțional l-a atras în interpretarea altor pianiști. (Cumva, după ce a ascultat piesa prea temperamentală a unui artist debutant, și-a amintit cuvintele lui Anton Rubinstein că nu ar trebui să existe multe sentimente, un sentiment poate fi doar cu moderație; dacă este mult, atunci este este fals…) Consecvența și corectitudinea în manifestările emoționale, armonia interioară în poetică, perfecțiunea execuției tehnice, acuratețea stilistică, rigoarea și puritatea – aceste calități de performanță și similare au evocat reacția invariabil de aprobare a lui Oborin.

Ceea ce a cultivat în clasa sa ar putea fi definit ca o educație profesională muzicală elegantă și subtilă, insuflând elevilor săi maniere interpretative impecabile. În același timp, Oborin a plecat de la convingerea că „un profesor, oricât de cunoscător și de experimentat ar fi, nu poate face un elev mai talentat decât este el prin fire. Nu va funcționa, indiferent ce se face aici, indiferent ce trucuri pedagogice sunt folosite. Tânărul muzician are un adevărat talent – ​​mai devreme sau mai târziu se va face cunoscut, va izbucni; nu, nu este nimic de ajutor aici. Este o altă chestiune că este întotdeauna necesar să se pună o bază solidă de profesionalism sub talentul tânăr, oricât de mare este măsurat; introduceți-l în normele bunei purtări în muzică (și poate nu numai în muzică). Există deja o datorie și o datorie directă a profesorului.

Într-o astfel de viziune a lucrurilor, exista o mare înțelepciune, o conștientizare calmă și sobră a ceea ce poate face un profesor și a ceea ce este în afara controlului său...

Oborin a servit mulți ani drept exemplu inspirator, un înalt model artistic pentru colegii săi mai tineri. Au învățat din arta lui, l-au imitat. Să repetăm, victoria sa de la Varșovia i-a stârnit pe mulți dintre cei care l-au urmat ulterior. Este puțin probabil ca Oborin să fi jucat acest rol principal, fundamental important în pianismul sovietic, dacă nu pentru farmecul personal, calitățile sale pur umane.

Acestuia i se acordă întotdeauna o importanță considerabilă în cercurile profesionale; de aici, în multe privințe, atitudinea față de artist și rezonanța publică a activităților sale. „Nu a existat nicio contradicție între artistul Oborin și omul Oborin”, a scris Ya. I. Zak, care îl cunoștea îndeaproape. „Era foarte armonios. Sincer în artă, a fost impecabil de cinstit în viață... A fost întotdeauna prietenos, binevoitor, sincer și sincer. El a fost o rară unitate de principii estetice și etice, un aliaj de înaltă artă și cea mai profundă decență. (Zak Ya. Bright talent / / LN Oborin: Articole. Memorii. – M., 1977. P. 121.).

G. Tsypin